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BONNY DOON – neues Album LET THERE BE MUSIC erscheint heute (Anti-Records) Neues Video“LET THERE BE MUSIC” “Waxahatchee-approved and unbowed by misfortune, these dudes from Detroit are here to soundtrack your summer” -Rolling Stone “Detroit’s Bonny Doon recline deep in the kind of alternative folk music that gives off its own warmth, wise enough to sit back with some guitars and watch the world crumble.” -Pitchfork “Understated and thoughtful... Their most refined and joyous work to date." -UPROXX "[An] achievement in jangle-pop... Let There Be Music is an expression of gratitude for being alive and being together." -Paste “Heroes of ambling, melancholy, poetic indie rock” -Stereogum “Folk rock with some alt-country sprinklings—but the band’s more spontaneous approach lends it a scrappiness that feels fresh. Rather than rein these songs in to the point of suffocation, the band allows them to breathe, rambling and untangling themselves in unexpected ways.” -FLOOD “Let There Be Music distills exuberant songs to their essence” -Aquarium Drunkard Das Trio Bonny Doon aus Detroit, MI, bereitet sich darauf vor, diesen Freitag ihr neues Album Let There Be Music über Anti- Records zu veröffentlichen. Das Album wurde von Pitchfork als eines der am meisten erwarteten Alben des Sommers bezeichnet und der Rolling Stone nannte es ihre "bisher beste LP" und schrieb: "Let There Be Music im Jahr 2023 zu hören, bedeutet, Bonny Doons makellos strukturierte, von den Siebzigern inspirierte kalifornische Träumerei als eine fast radikale Kühle zu erleben, ein Album, das in diesen entschiedenen Nicht-Zen-Zeiten so sehr seiner eigenen Zen-Ästhetik verpflichtet ist, dass es sich wie eine Provokation anfühlen kann. Auf ihrem lang erwarteten dritten Album bekommen wir einen Einblick in die pure Freude von Bonny Doon. Das Album ist weniger eine konzeptionelle Geschichte, sondern jeder Song ist ein individuelles Angebot, die gewöhnliche Erfahrung des Lebens in Worte zu fassen. Die Band zeigt sich von ihrer dynamischsten Seite und das Songwriting erkundet geschickt neues Terrain. Let There Be Music ist voll von kleinen Wahrheiten - sowohl tiefgründig als auch alltäglich, tröstlich und schwierig - und wir sind eingeladen, in ihnen allen zu schwelgen. LISTEN TO PREVIOUSLY RELEASED SINGLES “NATURALLY,” “CROOKED CREEK,” “SAN FRANCISCO,” & “ON MY MIND” In einer Welt der Dringlichkeit wird wenig Rücksicht auf das geistige, emotionale oder körperliche Wohlbefinden der Musiker genommen. Der kreative Prozess, der den Zuhörern oft verborgen bleibt, bleibt ein Geheimnis, auch wenn wir in den Liedern selbst Hinweise darauf finden können. In den zehn Tracks ihres neuen Albums Let There Be Music hört man den Freiraum, den sich Bonny Doon seit Longwave von 2018 gegönnt haben. Ihre jüngste musikalische Reise ist eine, die sich für treue Anhänger auszahlt und für jeden, der zum ersten Mal über die Band stolpert, eine unbestreitbare Belohnung darstellt. In den letzten fünf Jahren hat sich Bonny Doon von einer Detroiter Band zu einer Band entwickelt, die zwischen Kalifornien und Michigan und jetzt Michigan und New York pendelt. Trotz der neuen Herausforderung durch die Entfernung haben sich die Mitglieder Bill Lennox (Gitarre und Gesang), Bobby Colombo (Gitarre und Gesang) und Jake Kmiecik (Schlagzeug) auf ihre Freundschaft gestützt, um die Zusammenarbeit aufrechtzuerhalten, die sich auf ihrem dritten Album mehr denn je entfaltet hat. Während viele Songwriter in Einsamkeit arbeiten, ist es die Hin- und Her-Magie des Prozesses von Colombo und Lennox, die Bonny Doon ihre einzigartige Stimme verleiht. Die beiden schreiben und komponieren jeden Song gemeinsam und planen das ganze Jahr über Schreib-Retreats, um Ideen zu sammeln, Songs zu bearbeiten und sich gegenseitig Feedback zu geben, um sich weiterhin der gemeinsamen Arbeit als Songwriter-Team zu widmen. "San Francisco", die Großstadt neben Colombos ländlicher Heimat Lagunitas, bietet einen Einblick in die Art und Weise, wie diese Band die Welt sieht - mit kritischen Augen und Hoffnung zugleich. Der Backgroundgesang von Crutchfield, der zu einem ständigen Mitstreiter geworden ist, unterstreicht die Essenz des aufbauenden Finales des Songs. "Crooked Creek" rühmt sich einer Robustheit und eines donnernden Pulses, die das Album mit ihrer Präsenz beleben. Die verspielte Bildsprache verweist auf eine authentische, aber selbstbewusste Weise auf das Spirituelle - wenn du in die Scheiße trittst, bist du wahrscheinlich auf dem Weg. FOLLOW BONNY DOON Bandcamp | Spotify | YouTube | Twitter | Instagram | Facebook ++++++++++++++++++++++++++ CLOWNS - Neuste Single "Formaldehyd" und ab Juli bei uns auf Tour Taucht in fesselnde neue Klänge von CLOWNS ein, die ihre neueste Single "<>" präsentieren, die von einem treibenden Musikvideo begleitet wird und via Fat Wreck erscheint! Die mit Spannung erwartete Veröffentlichung ist die erste der Band seit 2021 und vereint ansteckende Melodien, clevere Texte und einen ganzen Berg an roher Energie. Die kraftvollen Schreie und der Doppelgesang von Stevie Williams und Hanny J stehen im Mittelpunkt und verleihen dem Song, der eine einzigartige Mischung aus spannungsgeladenen Gitarrenriffs und 80er-Jahre-Thrash-Metal-Einflüssen enthält, eine noch intensivere Dynamik. Die europäischen Fans können sich freuen, denn im Juli gehen CLOWNS mit der neuen Single im Gepäck auf Tournee. In Deutschland halten sie in sieben Städten und spielen dabei mehrere Open Air-Shows mit Feine Sahne Fischfilet! Zunächst aber die Regler hochfahren und die neue Single in angemessener Lautstärke hören. FORMALDEHYDE 2 steht ab sofort auf allen digitalen Plattformen bereit! Im Folgenden erfahrt ihr zudem, was Sänger Stevie Williams zu ihrem epischen Video zu sagen hat: "Wir stellen hiermit den fesselnden Videoclip zu "FORMALDEHYDE" vor, der jetzt auf YouTube zu sehen ist. Unter der Regie des geschätzten Alan Robert Hopkins, der für seine Zusammenarbeit mit ikonischen Künstlern wie den Rolling Stones und seinen Beitrag zum Blockbuster-Film Guardians of the Galaxy (2014) bekannt ist, nimmt dieser Performance-Clip die Zuschauer mit auf eine nostalgische, animierte Reise durch die warme, körnige Linse der 1980er Jahre, wobei hypnotisierende Green-Screen-Techniken zum Einsatz kommen, während sich die Band in einem Game Boy wiederfindet und sich in der Videospielwelt verteidigen muss. Die visuell atemberaubende Produktion verkörpert die thematische Essenz der kommenden Clowns-Veröffentlichungen und greift kunstvoll auf den lebendigen Stil und die Ästhetik der 1980er Jahre zurück. Bleibt also dran für weitere spannende Ankündigungen von Clowns in der nahen Zukunft." CLOWNS LIVE 2023 14.07. Dortmund - Westfalenpark ** 15.07. Dresden - Elbufer ** 16.07. Köln - MTC 22.07. Wiesbaden - Schlachthof Open Air ** 25.07. Schweinfurt - Stattbahnhof 28.07. Goldenstedt - Afdreiht & Buten 29.07. Berlin - Wuhlheide ** ** mit Feine Sahne Fischfilet Tickets hier 5! ++++++++++++++++++ HAND HABITS - neue EP Sugar The Bruise erscheint heute (Fat Possum) Neue Single - 'THE BUST OF NEFERTITI': LISTEN HERE: https://handhabits.ffm.to/thebustofnefertiti WATCH THE VISUALISER HERE: https://handhabits.ffm.to/bustvideo Weitere Video: Hand Habits, der Künstlername der in Los Angeles lebenden Meg Duffy (they/them), veröffentlicht heute "The Bust of Nefertiti", die letzte Single aus ihrer neuen EP Sugar the Bruise, das heute auf Fat Possum erscheint. Sugar the Bruise ist eine neue Sammlung von Songs, die sich auf den Moment, die Zusammenarbeit und die Improvisation konzentrieren. Inspiriert von einem einmonatigen Songwriting-Kurs, den Duffy im Sommer 2021 gab, entdeckten sie mit neuer Klarheit die generative Fähigkeit, sich auf das Unbekannte einzulassen, und wie wichtig Zusammenarbeit und Improvisation sind, um das Unbeschreibliche zu erreichen. In Zusammenarbeit mit Luke Temple (Here We Go Magic, Art Feynman) und Philip Weinrobe (Adrienne Lenker, Cass McCombs) gab sich Duffy dem gegenwärtigen Moment hin und vertraute darauf, dass alle Klänge und Worte, die entstehen, auch dazu bestimmt sind, zu entstehen. Mit zusätzlicher Produktion, Technik und Arrangement von Jeremy Harris schufen Duffy etwas, das, wie sie sagen, "ganz anders ausfiel, als ich es mir vorgestellt hatte". Das Ergebnis dieses kollektiven Experiments, das gleichermaßen aus Spiel und Absicht geboren wurde, ist ein radikales Geschenk für die Zuhörer: ein Beweis dafür, dass unsere vitalsten Prozesse, Schöpfung und Zerstörung, auf wunderbare Weise miteinander verwoben sind. Das unbeantwortbare und unhaltbare Leiden der Erfahrung ist die Tatsache des immerwährenden Verlusts. Und doch liegt in diesem Zustand ein kostbarer, lebendiger Zauber. In Sugar the Bruise faltet sich die Trauer in sich selbst und wird zum Lachen; die Sprache verblasst zu klanglichen Weiten des Unaussprechlichen; Melodien verschmelzen zu Kakophonien; Liebeslieder ergeben sich dem Verlust; historische Gewalt wird durch die Scheiben des Sonnenlichts verdrängt. A Statement from Meg Duffy on Sugar the Bruise: Musik war für mich immer wie ein Löffel Honig, der die zeitweilige und unausweichliche Bitterkeit der menschlichen Erfahrung lindert. Sie war eine dicke Süße in meinen einsamsten Momenten. In meinen frühesten Erinnerungen an das Musizieren, ob allein oder in einer Gruppe, schimmert immer das Gefühl durch, mit einer größeren Kraft verbunden zu sein, die sich nicht erklären lässt. Ich habe mich zutiefst dem Weg verschrieben, dieses schwer fassbare und doch ergreifende Gefühl durch das Gitarrenspiel heraufzubeschwören, indem ich Lieder und Klänge schuf und sie mit anderen teilte. Bevor ich anfing, Lieder mit Strophen und Refrains zu schreiben, habe ich mich vor allem durch Improvisation in musikalischen Umgebungen wiedergefunden. Es ist immer noch ein helles Leuchtfeuer meiner Herangehensweise an das Songwriting und die Komposition. Sonny Rollins sagte, dass es bei der Improvisation um das Vergessen geht, nicht um das Erinnern. Wenn der Geist leer ist, kommen die Ideen aus einer unauffindbaren Quelle. Ich finde, dass die Lieder, denen ich mich am meisten verbunden fühle, aus dieser Quelle kommen - aus dem leeren Raum des Unbekannten. Es hat für mich etwas Euphorisches, in diese Leere einzutauchen, mit Absicht, mit anderen Menschen, in einer Studioumgebung. Der Wunsch, in einem Song, einer Melodie, einem Groove oder einer unerwarteten Dissonanz zu verschwinden, lässt mich immer wieder zuhören, immer wieder suchen. Ich glaube, dieses Verlangen ist untrennbar mit dem Risiko des "Scheiterns" oder des "Fehlers" verbunden. Im August 2021 wurde ich gebeten, an der School of Song einen einmonatigen Kurs über Songwriting zu geben. Das war inspirierend und erschreckend zugleich. Ich zögerte, mich als Songwriterin zu bezeichnen, obwohl ich bereits 3 Platten veröffentlicht hatte, geschweige denn genug, um anderen beizubringen, wie man es auf meine Art macht. Bei der Vorbereitung auf diesen Kurs habe ich meinen eigenen Ansatz genau unter die Lupe genommen (manchmal sogar zu genau). Mir wurde klar, wie wichtig Improvisation und Zusammenarbeit für mich sind - im Leben und beim Songwriting. Ich wurde gebeten, Schreibanregungen zu entwerfen, und obwohl ich normalerweise nicht so schreiben würde, wenn ich mir selbst überlassen wäre, fand ich es eine wunderbare Möglichkeit, die Räder der Inspiration in Gang zu setzen. Es war auch etwas Besonderes für mich zu sehen, wie all diese anderen Musiker, manche neu, manche Zeitgenossen, sich der Gelegenheit stellten und sich selbst ins Unbekannte begaben. Für Sugar the Bruise hatte ich keinen anderen Plan als den, mich auf die spielerische Seite der Dinge einzulassen. Ein wenig zu lachen, mich aufzuheitern, den Fokus ein wenig von meinen eigenen Erfahrungen abzulenken. Was wäre, wenn das Schreiben eines Liedes nicht bedeuten würde, den Abgrund auszugraben? Natürlich fühle ich mich im Grunde genommen dazu hingezogen, die Entfaltung der Erinnerung zu etwas Schönem, etwas Archetypischem/Universellem zu nähren und es mit euch zu teilen. Und wie bei allen guten Musen ist es leicht, die eigene Erzählung auf sie zu projizieren. Die Platte wurde von meinem guten Freund Luke Temple (Here We Go Magic, Art Feynman) koproduziert. Wir hatten bereits bei zwei meiner Songs zusammengearbeitet, und ich fühlte mich von Lukes offenem Produktionsansatz inspiriert, der sich auf den gegenwärtigen Moment bezieht. Als chronische Überplanerin hat mich das aus meiner Komfortzone der vorgetäuschten Kontrolle herausgeholt. Ich fand es toll, was wir gemacht haben und wie ich mich während dieser Sessions gefühlt habe, wobei die Zweifel und Ängste gleichberechtigt neben der Euphorie und dem Stolz standen. Ich glaube, Vertrauen war der Vorbote der Transzendenz. Ich war neugierig darauf, dies weiter zu erforschen - etwas aus dem Nichts zu erschaffen, mit noch weniger Ahnung, was aus dem Nichts entstehen könnte. An der Seite des Toningenieurs/Produzenten Jeremy Harris und mit zusätzlicher Produktion, Arrangement und Abmischung durch meinen geliebten Mitarbeiter Phillip Weinrobe ist dieses Album ganz anders geworden, als ich es mir vorgestellt hatte. Ich hoffe also, dass euch diese Sammlung von Songs gefällt. Ich stelle sie mir gerne als eine Art Novelle oder Kurzfilm vor. Ich wünsche mir, dass diese Lieder denjenigen einen Spiegel vorhalten, die nicht in der Lage sind, ihre eigenen Wege zu finden, um die Knoten verdrehter Emotionen zu erklären, mit denen wir alle umgehen. Ich biete euch ein wenig Zucker auf die blauen Flecken des Geborenwerdens. Ein wenig Zucker auf den blauen Fleck der Existenz. Liebe, md +++++++++++++++++++++++++++++ DICHT & ERGREIFEND - heute erscheint das neue Album „Es werde Dicht“ Akt. Videos AUF BUNDESWEITER TOURNEE AB dem 17.06. Das dritte Studioalbum von dicht & ergreifend ist eine erhellende Sache in finsteren Zeiten. Mit »Es werde dicht« pusten Dutti & Urkwell die letzten Sandkörner aus ihrem Getriebe und gehen dahin, wo es wehtut. Dahin, wo sich der Schmerz auflöst. Dahin, wo Freude entsteht. Und vor allem dahin, wo andere nicht hingehen. Wenn es jemand verinnerlicht hat, delikate Themen aufzugreifen, um sie in fluffiger Manier in die Welt scheinen zu lassen, dann die Dichtis. Das Cover liefert bereits den visuellen Beleg. Westeuropa im Jahr 2478. Eine karge Wüstenlandschaft hat sich ausgebreitet, wo einst Hafermilch und Bio-Honig flossen. Im Zentrum steht ein leuchtendes Solarium, Symbol eines suizidalen Zeitalters. Dichti Style - Tiefgang & Nonsense. Weltuntergang & Lebensfreude. Der dritte Longplayer von dicht & ergreifend kommt aus dem Windschatten der beiden ersten und vollendet die Album-Trilogie. Dabei handelt es sich keineswegs um eine Science-Fiction-Konzeptplatte. Auf ihr entfaltet sich ein buntes Kaleidoskop an Themen. Die beiden Rapper lassen mit dem Opener »Es werde dicht« ihren dystopischen Visionen freien Lauf, um im Anschluss wieder ins Hier und Jetzt zu kommen. Geerdet-progressive Gegenkultur - Dutti & Urkwell bekennen sich zum Feminismus und rechnen dabei nicht nur mit dem Patriarchat ab, sondern auch mit unerwünschten Fans, trällern ein Liebeslied an die eigene Mama, Hohelieder auf den Müßiggang und schwadronieren auf amüsante Art über ihre Medienverdrossenheit. Vielschichtig verpackt in düsteren Bangern, Ohrwürmern, Feel-Good-Storytellern und zwei Solotracks, die den textlichen Facettenreichtum abrunden. Barock in der Fülle, puristisch in der Konsequenz, opulent im Sound- Die musikalische Messlatte liegt himalaya-hoch, da die Dichtis, als absolute Nobodies, völlig überraschend ihre ersten beiden Alben in den Charts platzierten. Das ist für die beiden Rapper jedoch nicht der Gradmesser, sondern lediglich ein angenehmes Beiwerk. Dutti & Urkwell produzieren auch auf dem dritten Studioalbum ihre Musik unabhängig von industriellen Zwängen und lassen dabei ihrem kreativen Schaffen völlig freien Lauf. Mukke in Reinkultur. Straight outta Herzkammer - Auf der neuen Platte ist ab dem ersten Takt ein deutlicher Reifeprozess erkennbar. Die beiden bleiben ihrem Signature-Sound treu und gleichzeitig spürt man eine leichtfüßige Experimentierfreude, die ganz frische Elemente in den dicht & ergreifend Kosmos zaubert. Die Dichtis machen Hip Hop. Die Genres mäandern jedoch von Future Rock ‘n‘ Roll, Big Beat, Trip Hop, orchestralem Boom-Bap, Brass-Techno, entschleunigtem LoFi-Hip Hop bis hin zu unrasiertem Dancehall. Somit ist auch das dritte Studioalbum rotzig, abwechslungsreich und ehrlich wie seine beiden Vorgänger. »Es werde dicht« ist ein tanzbares Statement. dicht & ergreifend – Eine der krassesten Live Bands der Republik - Es gibt Bands, die liefern auf Platte ab, aber live schlafen einem die Ellbogen ein. Umgekehrt geht das natürlich auch. Die Dichtis versuchen jedoch erst gar nicht, zwischen diesen Disziplinen eine Brücke zu bauen, denn sie seien wie der Fluss dazwischen, attestierte ihnen das Feuilleton. Seit Jahren werden dicht & ergreifend Konzerte als Spektakel hochgelobt, egal ob es das Monster-Event in der randvollen Olympiahalle war, die Musiktheater-Einlagen auf der »Inzi Dance« Tour 2021 oder die interaktive Tanzperformance mit ihrem Publikum auf der »Hirn Cabrio« Tour 2022. Jüngst ließen sie sich gar auf ein Tête-à-Tête mit den Münchner Symphonikern ein und brillierten mit einem 30-köpfigen Orchester im Rücken. Moshpit auf einem Klassikkonzert – Ganz normal - Auf der kommenden »Es werde dicht« Tour 2023 wird die geballte Erfahrung aus rund 300 Live-Gigs in eine völlig neue Bühnenshow gepackt, der Anspruch bleibt dabei immer der gleiche: Bitte geiler als im Jahr davor. Wer der Annahme ist, auf ein klassisches Hip Hop Konzert zu gehen, holt sich am Ticket garantiert einen Paper Cut. Das neue Album »Es werde Dicht« am 16.06.2023 via Zipfe Adam Records CD / LP jetzt bestellen: dichtundergreifend.com Live 2023 17.06.23 - München - Muffathalle - Album Release Show - SOLD OUT 30.06.23 - Penzberg - Berghalde 07.07.23 - Mühldorf a. Inn - Sommerfestival 08.07.23 - A-Linz - Posthof 09.07.23 - Burglengenfeld - Steinbruch Arena 13.07.23 - Würzburg - Gut Wöllried 14.07.23 - Immenstadt - Klostergarten 15.07.23 - Freiburg - E-Werk Open Air 20.07.23 - Hamburg - Knust 21.07.23 - Berlin - Astra 22.07.23 - Grünfeld - Nation of Gondwana 29.07.23 - Oberammergau - Heimatsound Festival 04.08.23 - Aldersbach - Brauerei Open Air 05.08.23 - Eching - Brass Wiesn 11.08.23 - Regensburg - Schlossgarten 12.08.23 - Rothenburg o. d. Tauber - Taubertal Festival 25.08.23 Übersee - Kulturetage (NEU!) 31.08.23 - Altusried - Freilichtbühne 15.09.23 - Nürnberg - Löwensaal 16.09.23 - Landshut - SPK Arena 02.10.23 - Augsburg - Kongresshalle 03.10.23 - Ulm - Roxy 05.10.23 - Frankfurt - Nachtleben 06.10.23 - Köln - Luxor 07.10.23 - Bremen - Lagerhaus 08.10.23 - Hannover - Faust 10.10.23 - Leipzig - Werk 2 12.10.23 - Dresden - Tante Ju 21.10.23 - Wien - Arena 04.11.23 - München - Zirkus Krone Tickets: es-werde-dicht.com ++++++++++++ HUNNY - Neues Album bei Epitaph, Single "Big Star" ab sofort! Mit ihrer schillernden Mischung aus New-Wave-Glanz, Shoegaze-Düsterkeit und kantigem Gitarrenrock - unterlegt mit frecher, kalifornischer Coolness - kündigt die LA-Band HUNNY ihr zweites Album "Hunny's New Planet Heaven" an, das am 6. Oktober über Epitaph Records erscheinen wird. Heute stellen sie das Lo-Fi-Musikvideo zu "Big Star" vor, der Leadsingle des Albums, die atmosphärische Gitarrentöne mit groovenden Bässen verbindet. Mit einer erhebenden Melodie und einer Hook voller positiver Affirmationen ermutigen uns HUNNY, zu den Sternen zu schauen, wenn wir einen Perspektivenwechsel brauchen. Zur Feier des Tages haben die Jungs einen eigenen Stern mit dem treffenden Namen 'HUNNY's New Planet Heaven' gekauft. Er befindet sich im Sternbild der Waage, dem Tierkreiszeichen, in dem das Album veröffentlicht wird, und hat die Koordinaten "Rektaszension: 15h22m13.60s Deklination: -18°15'17.3“. „BIG STAR“ Abgemischt vom ehemaligen HUNNY-Gitarristen Jacob Munk (5 Seconds Of Summer, Caroline Polachek, Miley Cyrus), kehrt die Band auf Hunny's New Planet Heaven zu ihren Wurzeln zurück und konzentriert sich weniger auf Perfektion als vielmehr darauf, die unzerbrechliche Verbindung wieder einzufangen, die die frühen Demos aus dem Schlafzimmer geprägt hat. Das zweite Album ist ein Beweis für die musikalische Gewandtheit der Band und ihre Hingabe an ihr Handwerk und gleicht den Dunst des Rückblicks mit einem sonnengetränkten Sommer in Kalifornien aus. Die Freunde aus Kindertagen erreichten mit ihrer 2015 selbst veröffentlichten EP Millionen von Streams, was ihnen einen Vertrag mit Epitaph Records einbrachte. Auch nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums (2021), einer weiteren EP (2022) und einer Reihe von Singles spürt man auf Hunny's New Planet Heaven noch die Aufregung und Energie dieser frühen Jahre. Die zweite LP der Gruppe für Epitaph zeigt, wie sie ihren sozialen Kreis enger zieht und ihre Kunst zu ihrer bisher reinsten Form destilliert. Während die Pandemie die Band physisch trennte, standen sie sich auf künstlerischer Ebene näher als je zuvor. Sie schrieben und demonstrierten fast 100 Ideen für LP2, die schließlich ihren Weg zu ihrem langjährigen Freund und Mitarbeiter Derek Ted (vom New Planet Heaven Studio, von dem der Titel des Albums stammt) fanden. An der Schwelle zu ihrem zweiten gemeinsamen Jahrzehnt ist es klar, dass HUNNYs größtes Kapital ihr Desinteresse ist, etwas anderes zu tun als das, was sie bewegt. Das hat ihnen als Band eine große Bandbreite beschert, die Fähigkeit, sich auf ihren eigenen Alben natürlich zu verändern und das Publikum im gesamten Rockspektrum zu überzeugen. Vor allem aber hat es sie dazu gebracht, ganz sie selbst zu sein und auf das zu vertrauen, was sie so weit gebracht hat. Hunny - New Planet Heaven Tracklisting 1. bothering 2. sixteen stitches 4. big star 5. 89cc 6. my own age 7. ring in ur ear (ft. Justin Courtney Pierre) 8. solo 9. nothing amazing happens 10. all my luck 11. kick ur teeth in 12. palm reader HUNNY besteht aus Leadsänger/Gitarrist Jason Yarger, Gitarrist Jake Goldstein, Schlagzeuger Joey Anderson und Kevin Grimmett am Bass/Keyboard. ++++++++++++++++++ SPARKLEHORSE – posthumes neues Album BIRD MACHINE erscheint am 08. September auf Anti- Records Musik war schon immer eine gemeinsame Sprache zwischen Mark Linkous von Sparklehorse und seinem jüngeren Bruder Matt, und als Mark 2009 mit der Arbeit an seinem fünften Sparklehorse-Album begann, sprachen die beiden über seine Pläne für die Platte. Matt kann sich noch gut an die Gespräche erinnern, an Marks Begeisterung über die Einflüsse, die in das Album einflossen, und an die Art und Weise, wie die Songs allmählich Form annahmen. Es waren diese Gespräche, zu denen Matt und Melissa - Marks Schwägerin, die beide mit Sparklehorse gearbeitet hatten - Jahre später zurückkehrten, als sie begannen, Kisten mit Tonbändern zu durchsuchen, um Marks unveröffentlichte Aufnahmen zu katalogisieren und zu bewahren und sein posthumes Album mit dem Titel "Bird Machine" zum Leben zu erwecken. "Bird Machine“ ist für den 08.09.23 angekündigt und passend dazu erscheint der Song inkl. Video (mit handgeschriebenem Text von Mark) zu "Evening Star Supercharger“ Sparklehorse - "Evening Star Supercharger“ - Musikvideo Im Laufe von vier wunderschönen und jenseitigen Sparklehorse-Alben und zwei Sparklehorse-Kollaborationsprojekten hat sich Mark einen Ruf als einer der markantesten und einflussreichsten Songwriter des Alternative Rock erarbeitet. Seine Kombination aus geisterhaften, von Statik gezeichneten Balladen und aufregend verzerrtem Rock wurde von Musikerkollegen wie Thom Yorke, PJ Harvey und Tom Waits, mit denen er zusammen aufnahm, verehrt und von seinen Fans sehr geschätzt. Aber die Intimität und Ehrlichkeit, die seine Lieder so besonders machten, legten auch die Probleme offen, die er mit sich herumtrug. Während er weiter an seinem fünften Album arbeitete, das er mit Steve Albini in Chicago und vor seinem geliebten Flickinger-Mischpult von 1968 in seinem Static King Studio aufnahm, begann sich die Depression, die ihn seit vielen Jahren beschattet hatte, zu vertiefen. Am 6. März 2010 starb er im Alter von 48 Jahren durch Selbstmord. Als Matt, Melissa und Bryan Hoffa, ein Spezialist für Audiokonservierung am National Audio-Visual Conservation Center der Library of Congress, einige Jahre später damit begannen, Marks Aufnahmen anzuhören und zu archivieren, stellten sie fest, dass die Ideen, die Mark mit Matt besprochen hatte, lebendig und kraftvoll umgesetzt worden waren. Einige der Songs standen kurz vor der Vollendung, während andere nur noch einer vorsichtigen Ermutigung bedurften - die Hinzufügung einer subtilen Instrumentierung und eines begleitenden Gesangs in einigen Fällen, eine weitere sorgfältige Abmischung in anderen - um sich zu entfalten. "Es war, als ob die Lieder einen wissen ließen", sagt Melissa. "Mark hat diese Lieder kommuniziert. Wir haben einfach unser Bestes getan, um sie zu übertragen.“ Mark war bekanntlich ein Perfektionist, was seine Arbeit anging, und die Frage, ob er das Album fertigstellen sollte, lastete schwer auf Matt. "Es ist die schwerste Entscheidung, die ich je getroffen habe", sagt Matt. "Es ist schwierig, eine Entscheidung über die Kunst eines anderen zu treffen, selbst wenn man ihn sein ganzes Leben lang kennt und mit ihm gearbeitet hat, selbst wenn er dein Bruder und bester Freund war. Wir haben uns lange darüber unterhalten, dass wir nicht in eine andere Richtung gehen wollten. Wir wollten das herausbringen, was da war." Es war sehr hilfreich, dass Matt und Melissa mit einem Team von Musikern zusammenarbeiten konnten - darunter Alan Weatherhead, der "Bird Machine" mit Matt und Melissa produzierte, Joel Hamilton, der die Platte abmischte, und Greg Calbi, der die endgültige Version gemeinsam mischte -, die bereits mit Sparklehorse gearbeitet hatten und Mark sehr schätzten. Und vor allem war ihnen klar, dass der größte Teil des Albums bereits feststand. Mark hatte in handschriftlichen Notizen, die Matt erhalten hatte, den Titel und eine Trackliste angegeben. Von dem Zeitpunkt, an dem Mark mit der Arbeit an diesen Songs begann, bis zur bevorstehenden Veröffentlichung der Platte sind 14 Jahre vergangen - eine lange Zeit für eine Sammlung von Titeln, die zum Zeitpunkt von Marks Tod bereits weit fortgeschritten war. Aber es gibt auch etwas in der langen und komplexen Entstehungszeit des Albums - das Chaos der alten Bänder, die Liebe und Sorgfalt, die Marks Familie und seine engen Musikerfreunde jedem Detail entgegengebracht haben - das dieses Album so unverwechselbar zu einer Sparklehorse-Platte macht. Es bedeutet mir so viel, diese letzte Ladung schöner Sachen, die mein Bruder zusammengestellt hat", sagt Matt. "Wenn ich mich hinsetze und einen Kopfhörer aufsetze, höre ich es mir ganz durch. Alles von "It Will Never Stop" über "Evening Star Supercharger" bis hin zu "Stay", das ist Mark, der es einfach rauslässt." Pre-Order ‘Bird Machine’ 2. Kind Ghosts 3. Evening Star Supercharger 4. O Child 5.Falling Down 6. I Fucked It Up 7. Hello Lord 8. Daddy’s Gone 9. Chaos of the Universe 10. Listening to the Higsons 11. Everybody’s Gone to Sleep 12. The Scull of Lucia 13. Blue 14. Stay <<https://marklinkous.com/>> Instagram | Facebook | Twitter +++++++++++++++++ SUPER DUTY TOUGH WORK - kündigen ihr neues Album “Paradigm Shift” für den 08.09. via Next Door Records WATCH / SHARE “GUILLOTINE DREAMS” HERE BUY / STREAM “GUILLOTINE DREAMS” HERE Die für den Polaris Music Prize nominierte Gruppe Super Duty Tough Work kündigt heute ihr neues Album Paradigm Shift an, das am 8. September 2023 über Next Door Records erscheint. Paradigm Shift ist eine Art Mission Statement, eine Markierung in der Zeit, ein Zeugnis der sich ständig weiterentwickelnden Weltsicht von Super Duty Tough Work und ein Bekenntnis zu ihrer Kunst und den Traditionen, aus denen sie hervorgegangen sind. Obwohl das Album nur zehn Tracks umfasst, kann man es auf zwei Seiten einteilen: Party und Revolution. Auf der einen Seite hat Paradigm Shift eine kräftige Dosis des üblichen witzigen, provokativen und unbekümmerten Textes, den wir von Frontmann Brendan Grey erwarten, gemischt mit einigen eingängigen Hooks und melodischen Refrains, die sicher zu Ohrwürmern werden. Auf der anderen Seite können die zugrundeliegenden Themen wie Antiimperialismus, Antikapitalismus, Promi-Idol-Verehrung und Klimakatastrophe nur so viel Spaß machen, dass sie eine interessante Dichotomie ergeben, da der Hörer in einige sehr unterschiedliche Richtungen gedrängt und gezogen wird. Der Inhalt kann ziemlich schwer werden, aber im gleichen Atemzug wird er auf so stilvolle und mühelose Weise komponiert und präsentiert, was beweist, dass ein Löffel Honig wirklich hilft, die Medizin zu schlucken. Manchmal in den staubigen Sample-Sound der goldenen Hip-Hop-Ära gehüllt (p.s., es ist alles live), während an anderen Stellen ein zeitgenössischerer Ansatz wie Trap-Hi-Hats, House-Synthies und 808-Bass-Pads verwendet wird, zeigt diese Platte deutlich das Wachstum der Gruppe, da wir sehen, wie sie sowohl thematisch als auch klanglich neue Wege beschreiten. Die schweren Inhalte und ohrenfreundlichen Klanglandschaften sind so gut zusammengestellt, dass man nicht immer merkt, dass man Songs hört, die sich mit den Symptomen und Ergebnissen dessen beschäftigen, was man nur als Siedlerkolonialismus und Raubtier-/Spätkapitalismus/neoliberale Wirtschaft bezeichnen kann, während man gleichzeitig die Hinrichtung von Elon Musk und die Umverteilung des gesamten gestohlenen Reichtums fordert, der von der Milliardärsklasse gehortet wird. "Ich meine, es ist schwer zusammenzufassen, worum es auf diesem Album geht, weil es so viele verschiedene Dinge berührt", sagt Brendan Grey. "Thematisch kann man sich jedes Thema aussuchen, je nachdem, was einen anspricht. In einem Track spreche ich darüber, dass ich der beste Rapper bin (typisch), während ich im nächsten dazu aufrufe, die Systeme komplett zu überarbeiten. Dann sprechen wir über die Bewältigung von Depressionen, und Marisolle spricht darüber, wie man die Party betritt, frisch aussieht und bereit ist, loszulegen. Dann geht es wieder ums Rappen. Das hängt alles zusammen. Generell würde ich sagen, dass das alles mit unseren Themen 'widerständige Ausschweifung' und Internationalismus zusammenhängt. Gegen die mörderische herrschende Klasse, die der Planet zu ertragen gezwungen ist, während wir gleichzeitig Spaß haben, die Siege und uns gegenseitig feiern und uns der Freude hingeben, wenn es möglich ist. Diese Platte soll wirklich ein Trostpflaster für alle Opfer des Kapitalismus sein. Und das sind alle (lacht)." WATCH / SHARE “GUILLOTINE DREAMS” HERE BUY / STREAM “GUILLOTINE DREAMS” HERE Nachdem sie letztes Jahr bereits die Single "First Strike" veröffentlicht haben, stellen sie heute einen weiteren Track aus dem Album vor: "Guillotine Dreams". Ausgestattet mit messerscharfen Cuts des legendären kanadischen DJs Skratch Bastid und einer leichten Wiederverwendung eines Textes von Rage Against the Machine ist "Guillotine Dreams" eine bissige Auseinandersetzung mit dem Siedlerkolonialismus im Allgemeinen, aber auch speziell mit dem Siedlerkolonialprojekt "Kanada". Die Leadsingle hat auch ein ungewöhnlich persönliches Element, denn das Hauptsample, auf dem der Song aufbaut, ist ein Gesang von Brendans Großmutter Frances Atwell, der von seiner Urgroßmutter Beatrice Brown am Klavier begleitet wird. Dieser Track wurde von 78er Schallplatten gesampelt, die fast ein Jahrhundert alt sind, und ist in vielerlei Hinsicht tiefgründig und persönlich. Neben der Abrechnung mit dem kanadischen Siedler-Kolonialprojekt erkundet Grey in "Guillotine Dreams" die Besessenheit und Fetischisierung bestimmter enger Aspekte der schwarzen Kultur durch die Medien, die Belohnungen für diejenigen, die sich damit beschäftigen, und die Grenzen für diejenigen, die das nicht tun. Mit immer wiederkehrenden Verweisen auf Geisteskrankheiten springt Brendan zwischen den Ich-Erzählungen von Opfern und Angreifern hin und her und erkundet die Schnittmenge von Imperialismus/Kolonisierung, Unterdrückung, Profit und Unterhaltung. Mit seiner charakteristischen Technik, ortsspezifische Bezüge mit allgemeineren Beispielen zu mischen, konfrontiert Grey den Reichtum und den Erfolg, den einige im so genannten Kanada (und in der Welt) erlangt haben, während er gleichzeitig die Kosten und den Aufwand aufzeigt, der betrieben wurde, um diese Privilegien auf Kosten der ursprünglichen Bewohner des Landes zu sichern, wobei er ständig Parallelen zwischen lokalen, nationalen und internationalen Ereignissen der Vergangenheit und Gegenwart zieht. Zum Video fügt Grey hinzu: "Todernst, aber durchtränkt von Sarkasmus und schwarzem Humor. Das Video ist nur ein weiteres Stück visueller Kunst, das die Musik begleitet. Damit versuchen wir eigentlich nur, die Texte zu illustrieren. Die Leute hören mit ihren Augen, also haben wir hier eine weitere Möglichkeit, die Geschichte zu erzählen. Das Video ist stark von den frühen Musikvideos von Public Enemy und Rage Against the Machine inspiriert. Der düstere, schwarz-weiße Stil von Nachrichten- und TV-Clips hat mich schon immer angesprochen (wenn er richtig gemacht wurde), also machte es nur Sinn, diesen Ansatz für diesen Song zu verwenden, da der Inhalt sich gut für diese Art von begleitender Bildsprache eignet. Außerdem wollten wir einfach einen Haufen Geld in Brand setzen." MEHR ÜBER SUPER DUTY TOUGH WORK Inspiriert vom dreckigen Jazz-Loop-Sound des 90er-Jahre-Ostküsten-Hip-Hops, sind Super Duty Tough Work die Live-Inkarnation dieser Ära der Hip-Hop-Kultur. Sie treten zwar als Band auf (wir wissen, dass das so ist), haben aber einen Sound, der eher an etwas erinnert, das direkt aus einem MPC oder SP-404-Sampler kommt. SDTW, die für ihre methodisch kuratierten Sets bekannt sind, mischen entspannte Rap-Action und messerscharfe Darbietung mit mühelosen Loops, die mit überraschenden Übergängen zusammengenäht werden und das Publikum auf den Beinen halten, in Erwartung dessen, was als nächstes kommt. Einfach gesagt: Internationalität ist das Thema, Befreiung durch Hedonismus ist der Traum, und Zufriedenheit ist garantiert bei dem Team, dessen Spezialität es ist, das Publikum auf eine Reise durch eine Kultur mitzunehmen, in der Loops erschlagen werden und Juwelen das Handwerkszeug sind. Nachdem die Gruppe jahrelang nur live aufgetreten war, veröffentlichte sie im September 2019 ihre Debüt-EP Studies in Grey, gefolgt von einer Tournee quer durchs Land. Acht Monate später erhielt Studies in Grey eine Nominierung für den Polaris Prize in Form einer Long List-Nominierung und kurz darauf eine Nominierung für den Western Canadian Music Award in der Kategorie Best Rap & Hip Hop Artist. Die Nominierung für den Polaris macht SDTW zum ersten Hip-Hop-Act aus Manitoba, der für diesen Preis nominiert wurde. ++++++++++++++++ SUNYEARS, Peter Moréns (von Peter Bjorn and John,) - heute erscheint Come Fetch MY Soul! heute erscheint Peter Moréns (von Peter Bjorn and John,) SunYears-Debüt Come Fetch My Soul! bei Yep Roc Records. Die Soundbschreibung in der unten angeführten Bio bringt es ganz gut auf den Punkt: Die Bandbreite reicht von wehmütigem Folk und Beatles-eskem Pop bis hin zu psychedelischem Gitarren-Jangle und schimmernden Balladen. Mit Gastauftritten von Fruit Bats, Ren Harvieu, Ron Sexsmith, Kathryn Williams und Jess Williamson. Singles Info SunYears ist das neue Projekt des schwedischen Sängers und Songwriters Peter Morén von Peter Bjorn and John. Das Debütalbum Come Fetch My Soul! erscheint am 16. Juni über Yep Roc Records. "Wenn man älter wird, fällt es einem leichter, Songs zu schreiben, weil man auf eine andere Art und Weise verletzlicher wird", erklärt Morén über den mutigen und offenherzigen Song Come Fetch My Soul!" mit Jess Williamson und bietet an: Es geht darum, von der Liebe, die man für seinen Partner empfindet, überwältigt zu werden, und um das Gefühl, sich in die Hände von etwas oder jemand anderem zu begeben". Sehen Sie sich das offizielle Video zu Come Fetch My Soul" an, das von Vince Bigos inszeniert und animiert wurde. Die melodische Weisheit des 10-Track-Albums fühlt sich sofort vertraut an und ist doch unerforschtes Terrain für Morén, der eine Sammlung von Liedern liefert, die sich sofort zeitlos anfühlen. Die Bandbreite reicht von wehmütigem Folk und Beatles-eskem Pop bis hin zu psychedelischem Gitarren-Jangle und schimmernden Balladen. Das Album ist das Ergebnis nostalgischer Hörgewohnheiten und thematisch von Träumen inspiriert, vor allem der rockabilly-eske Track "Last Night I Dreamt I Met Phil & Don", der von einer Traumbegegnung mit den Pop-Legenden der Everly Brothers inspiriert wurde. Für das Album holte sich Morén die Indie-Künstler Ron Sexsmith, Jess Williamson, Eric Johnson (Fruit Bats, Bonny Light Horseman) und Kathryn Williams ins Boot, was zu mehreren Duetten auf dem Album führte. Das abschließende Stück "Wake Up", das während eines Songwriting-Retreats entstand, wird von Ren Harvieu gesungen. "Während dieser Reise haben wir viel zusammen in verschiedenen Gruppen gesungen", erklärt Morén, "und es war diese Spiritualität des Singens mit anderen Menschen, die ich in diese Platte einbringen wollte." SunYears ist ein Name mit offenem Ende, der sich sowohl auf den klassischen Sound von Sun Records aus den 1950er Jahren als auch auf den Lauf der Zeit selbst bezieht. Als er nicht mehr auf Tournee ging, entdeckte Morén seine Liebe zum einsamen Gitarrenspiel und die Kunst der Zusammenarbeit wieder, die er mit einer engen Gruppe von Freunden und Gleichgesinnten in seiner Heimatstadt Stockholm pflegte. "Diese Erfahrungen haben etwas in mir geweckt", erinnert er sich. "Zu sehen, wie andere Leute Musik machen, und in andere Umgebungen ein- und auszutauchen, war wirklich inspirierend." Produziert von Peter Morén, Ruben Engzell und Daniel Bengtson, gemastert von Magnus Lindberg und gemischt von Niklas Berglöf, wurden alle Songs des Albums von Peter Morén geschrieben, mit Ausnahme von "Wake Up", das von Peter Morén, Kathryn Williams und Ren Harvieu geschrieben wurde. Come Fetch My Soul! Tracklisting: 1. Come Fetch My Soul! (feat. Jess Williamson) 2. Day To Day Way 3. Two Birds, Mid-Flight 4. Granddad’s Song (feat. Ron Sexsmith) 5. A Dog’s Life 6. Slipping Away 7. These Quiet Tunes 8. Last Night I Dreamt That I Met Phil & Don (Feat. Fruit Bats) 9. Wordy 10. Wake Up! (feat. Ren Harvieu & Kathryn Williams) ++++++++++++++++ THICK - Neuste Single "Doomer" jetzt anhören Das Brooklyner Punk-Powerhouse THICK hat seine neue Single "Doomer" veröffentlicht, die von dem Grammy-nominierten Rockproduzenten Will Yip produziert wurde und bei der Mannequin Pussy-Mitglied Kaleen Reading am Schlagzeug sitzt. Der Song ist ab sofort auf Epitaph Records erhältlich und wird von einem selbstgedrehten Video begleitet, in dem die Mitglieder Nikki Sisti und Kate Black zu sehen sind. Das Video ist eine Ode an New York City und daran, sich selbst zu einem Date in die Lieblingsviertel der Stadt mitzunehmen. Über den Track sagt Nikki: "Dieser Song schreit nach Erschöpfung. Es geht darum, dass man weiß, was man für jemanden tun könnte, aber zu ausgebrannt ist, um es zu tun. Es ist das Gegenteil von Selbstaufgabe, es ist die Entscheidung, nicht mehr so viel zu geben und zu hoffen, dass die andere Person es in sich selbst finden kann, um die Arbeit zu tun und zu wachsen.“ THICK, die sich seit 2014 in der DIY-Szene von Brooklyn etabliert haben, haben sich als Punk-Powerhouse etabliert. Obwohl die Band in weniger Kellern spielt, hat sie den lebendigen Gemeinschaftssinn beibehalten, der ihre Gründung ausgelöst hat, und lädt zukünftige Freunde durch ehrliche und introspektive Texte in ihre Welt ein. Veröffentlichung für Veröffentlichung präsentieren THICK furchtlos die intimsten Gedanken, Erfahrungen und Selbsterkundungen ihrer Mitglieder in vielschichtigen Melodien und großen Hooks. Fast ein Jahr nach der Veröffentlichung ihres zweiten Albums Happy Now (2022, Epitaph Records) und einer landesweiten Headline-Tournee kehrte die Band mit neuen Perspektiven und einer veränderten Besetzung zurück, da ihre Schlagzeugerin Shari Page einen Schritt zurücktrat. Nikki Sisti (Gitarre, Gesang) und Kate Black (Bass, Gesang) arbeiteten mit dem Produzenten Will Yip (Turnstile, Menzingers, Mannequin Pussy) und dem Schlagzeuger Kaleen Reading zusammen, um ihre neue Single "Doomer" zu schreiben - ein Blick in den Kopf eines erschöpften Partners, der sich mit der Notwendigkeit auseinandersetzt, einen Schlussstrich zu ziehen, bevor er sich in der Leere der Bedürfnisse eines anderen verliert
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