AOIFE O'DONOVAN - neue Single "Over The Finish Line" Feat. Anaïs Mitchell. Das Album "All My Friends" kommt am 22.03. via Yep Roc Records.
7. März 2024: "Einmal im Leben haben wir die Macht, aber wir starren lieber auf unser Telefon", singt Grammy-Preisträgerin Aoife O'Donovan in der ersten Strophe ihrer neuen Single "Over The Finish Line". Over The Finish Line" wurde von O'Donovan kurz nach der Ermordung von George Floyd geschrieben, reflektiert den Zustand des Landes und erinnert die Zuhörer an unsere bürgerliche Pflicht, zu wählen und für positive Veränderungen zu kämpfen. Der ergreifende, wehmütige Track wird von Luke Reynolds an der Pedal Steel und der Tony- und Grammy-Preisträgerin Anaïs Mitchell begleitet und ist eine von Mitchells ersten Veröffentlichungen seit der vielbeachteten Eröffnung von Hadestown im Londoner West End.
„Over The Finish Line (Feat. Anaïs Mitchell)“ Musikvideo
PreOrder / PreSave das Album „All My Friends"
Aoife O'Donovans neues Soloalbum All My Friends ist inspiriert von der Entwicklung der Frauenrechte in Amerika im letzten Jahrhundert. O'Donovan verbindet die Erfahrungen der Suffragetten, die für die Verabschiedung des 19.Verfassungszusatzes kämpften und ihren Töchtern den Weg ebneten, mit ihren eigenen Erfahrungen als moderne Frau, die ihrer eigenen Tochter eine Zukunft aufbauen möchte. Das Projekt - O'Donovans erstes selbstproduziertes Album - enthält eine Reihe besonderer Gäste, darunter Anaïs Mitchell, Sierra Hull, Noam Pikelny, Alan Hampton, Griffin Goldsmith und andere. Die meisten Songs auf dem Album entstanden aus zwei Aufträgen, die O'Donovan annahm - vom Orlando Philharmonic, wo sie jetzt lebt, und vom FreshGrass Festival in ihrem Heimatstaat Massachusetts. Nach den Auftritten mit beiden Institutionen setzte O'Donovan ihre Arbeit an den Themen fort, aus denen schließlich All My Friends entstanden ist.
Hört Euch hier den Titeltrack "All My Friends" an.
Über Aoife O'Donovan
Die mit dem GRAMMY Award ausgezeichnete Künstlerin Aoife O'Donovan, die von der New York Times als "eine Sängerin mit untrüglichem Gespür" bezeichnet wurde, bewegt sich in einer aufregenden musikalischen Welt jenseits aller Genres. Sie hat drei von der Kritik gefeierte und Grenzen sprengende Soloalben veröffentlicht, darunter ihr jüngstes Album, das kühn instrumentierte und literarisch gestaltete Age Of Apathy von 2022, das drei GRAMMY-Nominierungen erhielt und von NPR als "bewegendes Selbstporträt" bezeichnet wurde. Folk Alliance International kürte den Song "B61" zu ihrem Song des Jahres 2022. Neben Auftritten bei Jimmy Kimmel Live, CBS Saturday Morning, Kelly Clarkson und PBS Newshour schrieb Pitchfork über O'Donovan, dass sie "die Antriebskraft der besten Joni Mitchell in sich trägt". Nach der Veröffentlichung von Age of Apathy nahm O'Donovan auch eine Neuinterpretation von Bruce Springsteens bahnbrechendem Album Nebraska auf und ging damit auf Tournee, mit Auftritten beim Newport Folk Festival, dem Tønder Festival und anderen.
Als versierte und großzügige Kollaborateurin ist Aoife ein Drittel der Gruppe I'm With Her mit ihren Bandkolleginnen Sara Watkins und Sarah Jarosz. Das Debütalbum See You Around des Trios wurde von NPR Music als "willfully open-hearted" gefeiert. I'm With Her erhielt 2019 einen Americana Music Association Award als Duo/Gruppe des Jahres und 2020 einen Grammy-Award für den besten amerikanischen Roots-Song.
O'Donovan verbrachte das vorangegangene Jahrzehnt als Mitbegründerin und Frontfrau der Streicherband Crooked Still und ist die gefeierte Sängerin bei The Goat Rodeo Sessions - der Gruppe mit Yo-Yo Ma, Stuart Duncan, Edgar Meyer und Chris Thile. Sie trat als Sängerin mit mehr als einem Dutzend Sinfonieorchestern auf, darunter das National Symphony Orchestra, schrieb für Alison Krauss und war ein Jahrzehnt lang regelmäßig in den Radiosendungen "Live From Here" und "A Prairie Home Companion" zu hören.
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BABEBEE - neue EP "whatislove2u" für 05.04. via Epitaph angekündigt. Neues Lyricvideo zur Leadsingle "NEXT2U".
"Auch wenn es schwierig ist, sie in den engen Rahmen eines Genres einzuordnen, haben sie doch immer diesen erfinderischen, phantasievollen Reiz, ein Gefühl dafür, wie schön verschoben reine Originalität sein kann..." - Ones To Watch
Die koreanisch-amerikanischen KünstlerIN Babebee (they/them) kündigt ihre/seine neue EP 'whatislove2u?' an, die am 5. April über Epitaph Recordsveröffentlicht wird. Als Nachfolger der Debüt-EP "A PROPHECY", die im November letzten Jahres veröffentlicht wurde, setzt das neue Projekt den Trend des introspektiven Songwritings und der phantasievollen Arrangements fort, mit denen BABEBEE versucht, die zerstörerischen Zyklen in romantischen Beziehungen zu durchbrechen.
Die süchtig machende Leadsingle "NEXT2U" ist ein verträumter Schlafzimmer-Pop-Knaller mit einem Text, der "den Kampf mit Vermeidungsverhalten beschreibt", sag Babebee. "Das führt zu Angst, weil man von jemandem, den man liebt, in beide Richtungen gedrängt und gezogen wird, aber am Ende des Tages will man immer noch mit ihm zusammen sein."
MUSIKVIDEO VON "NEXT2U" JETZT ANSEHEN!
Die fünf Songs auf whatislove2u? wurden von Babebee in einem von Verzweiflung und Nostalgie geprägten Kopfraum geschrieben, in dem die Fantasie über der Realität stand. Mit üppigen elektronischen Klanglandschaften, eigenwilligen Beats und gehauchtem Gesang erschaffen sie einen traumähnlichen Schutzraum, in dem die KünstlerIN ihr Verhalten in vergangenen Beziehungen durch eine selbstbewusste Linse reflektiert. Die EP beschäftigt sich mit verschiedenen Bindungsstilen und beschreibt die Suche, sich endlich in sich selbst sicher" zu fühlen, sei es allein oder in einer Partnerschaft.
"Als ich über meine Vergangenheit nachdachte, fiel mir auf, dass viele meiner Beziehungen in einem ähnlichen Zyklus begannen und endeten", erklärt Babebee. "Ich wollte über den Prozess schreiben, wie ich diese Muster erlebe und schließlich den Bann breche."
Obwohl die EP auf sehr persönliche Erfahrungen zurückgreift, werden diese nicht nur in den Lyrics dargestellt. "whatislove2u?" wurde komplett selbst produziert, was sich für Babebee anfühlte, "als würde ich in meine Vergangenheit eintauchen und Seiten aus meinem Tagebuch herausreißen." Um dieser freizügigen Musik eine weitere Ebene der Intimität hinzuzufügen, arbeitete Babebee mit einigen ausgewählten engen Mitarbeitern zusammen, darunter der Produzent jodah. und der französische Hyperpop-Künstler angelus.
Babebees Album Mind Over Matter aus dem Jahr 2022, das sich mutig mit der Komplexität eines Generationstraumas auseinandersetzt, wurde von Pigeons & Planes als "kohärentes, ausdrucksstarkes Projekt mit experimentellen, aber zugänglichen Songs" gelobt. Nachdem sie 2023 bei Epitaph Recordsunterschrieben hatten, veröffentlichten sie noch im selben Jahr ihre Debüt-EP A PROPHECY, die von KEXP für ihre "Geschichten von Herzschmerz und menschlicher Verbundenheit" gelobt wurde. Indem sie ihr Songwriting nach innen wenden und sich darauf konzentrieren, bewusst mit sich selbst umzugehen, erinnern uns Whatislove2u? erinnern uns Babebee daran,
"Liebe sollte nicht an Bedingungen geknüpft sein, vor allem nicht an uns selbst. Es sollte uns erlaubt sein, Liebe auf die authentischste Weise auszudrücken, unser inneres Kind zu heilen und unsere Bedürfnisse auszudrücken, ohne uns unsicher zu fühlen."
"WHATISLOVE2U" JETZT PRE-SAVEN!
MEHR ÜBER BABEBEE
Babebee, ausgesprochen "Baby", der musikalische Spitzname der schwer fassbaren koreanisch-amerikanischen KünstlerIN (Pronomen "sie" und "er"), ist eine eigenwillige SolistIN, die nur jetzt, in der Moderne, existieren können: produktiv, kollaborativ, Konventionen brechend, unendlich ehrgeizig und unmöglich zu definieren. Nennt man sie Hyperpop, verpasst man ihre experimentellen Tanzsignaturen und ihre Vorliebe für Schlafzimmerpop-Melodik. Nennt man sie Sängerin, verpasst man ihre gekonnte Produktionsarbeit. Nenne sie unkonventionell, und du bist näher an der Wahrheit: Das ist der Grund, warum du sie vielleicht auf Twitch oder in ihrer Discord-Community The Honeypot gesehen hast, oder auf einer Reihe von Spotify-Playlists, darunter New Music Friday, die offizielle Hyperpop-Playlist, und Lorem, die fast eine Million Likes hat. Das ist auch der Grund, warum Pigeons and Planes/Complex sie schnell zu den besten neuen Künstlern gekürt hat.
Babebee - man kann sie auch kurz "Bee" nennen - hält wie viele Internetkünstler, die ihre Musikalität in den Mittelpunkt ihrer Identität stellen, ihren/seinen Geburtsnamen geheim. Aber im Gegensatz zu ihren/seinen Zeitgenossen war die Namensgebung für Bee eine ständige Quelle der Inspiration und des Konflikts - ein Zusammenfluss ihrer koreanischen, amerikanischen und öffentlichen Identitäten - eine Fluidität, die die kreative Entwicklung ihrer/seiner Musik widerspiegelt. Als sie/er 2020, nach vielen Jahren und vielen anderen Namen, mit diesem Projekt begann, befand sie/er sich in einer existenziellen Krise, lange bevor die Pandemie sie über uns alle brachte (Vorherwissen ist ein Thema in ihrer Arbeit). "Die künstlerische Seite in mir sagte: 'Mein richtiger Name ist tot. Ich muss mir einen neuen ausdenken'", erklärt sie/er. Der Wunsch, sich nach einem vertrauten Wort zu benennen, das anders geschrieben wird - sowie die Liebe zu Nachhaltigkeit, Spiritualität und Bewegungen wie #SaveTheBees, die lose von Tumblr-Naturblogs aus ihrer/seiner Jugend inspiriert sind - und ein Wortspiel mit "i'm baby" aus dem beliebten Kirby-Meme des zwanzigsten Jahrhunderts inspirierten "Babebee". Eine neue Ära war geboren. Egal, welche Bedeutung man ihm beimisst, Babebee ist ein Name, der den Hörer dazu zwingt, sich auf einen Kosenamen einzulassen, eine Intimität, die einen dazu bringt, in Songs von unglaublicher emotionaler Tiefe zu leben. (Es verhindert auch, dass ihre/seine Eltern den Namen googeln und herausfinden, dass sie eine Menge Tattoos hat. Bee plant, diese bei den Grammys oder in einem ausverkauften Stadion in Korea" oder so zu enthüllen. Andere Kinder von Einwanderern werden dieses Gefühl nur allzu gut kennen.)
Die musikalische Geschichte von Bee beginnt beim koreanischen Karaoke. Na ja, sozusagen. Lange bevor Babebee zu Babebee wurde, zeigten sie eine intensive Liebe zur Musik und ein großes Talent für Auftritte. Im Alter von sechs Jahren sang sie/er in dem koreanischen Restaurant und der Karaoke-Bar, in der ihr Vater in Georgia arbeitete, "My Heart Will Go On" von Celine Dion. ("Warum habe ich das gesungen? Ich bin im Moment so verliebt. Und in wen?", scherzt sie/er.) Im selben Jahr versucht sie/er, bei American Idol vorzusingen - und verließen die Veranstaltung kurz nachdem sie/er sich angestellt hatte. Mit 8 Jahren begann sie/er, Songs auf dem Klavier zu schreiben - "darüber, ein Vogel zu sein" - und als sie/er etwas älter war, so um die 12, sprachen sie für einige K-Pop-Unterhaltungsfirmen vor, die nach Georgia reisten, um Talente vorsingen zu lassen. (Als sie aufwuchs, war Bee das einzige asiatische Kind in ihrer Schule, aber das nahe gelegene Duluth, GA hat eine große koreanische Bevölkerung). "Damals dachte ich: 'Oh, das ist die einzige Möglichkeit, Musik zu machen'," sagt sie/er."Aber ich liebe IU, Lim Kim, 2NE1, Girls Generation, alten K-Pop... Meine Texte sind super melodisch; ich mag es, meinen Flow oft zu ändern. Um ehrlich zu sein, denke ich, dass das vom K-Pop inspiriert ist."
Die Idee, ein K-Pop-Idol zu werden, hat sie/er aufgegeben, aber die Wertschätzung für K-Pop und insbesondere für das Koreanisch sein hat sie/er in ihrer Musik beibehalten. "Meine erste Sprache war Koreanisch. Ich lebte dort bis zum Kindergarten. Ich erinnere mich, dass ich von meiner Oma den Hintern versohlt bekam, weil ich ins Bett gepinkelt hatte, und für das Ansehen K-Dramen in ihrer kleinen Wohnung", lacht sie/er. Multikulturalität steht im Mittelpunkt ihres/seines Schaffens.
Das ist auch der Grund, warum man in der Musik von Babebee Einflüsse von Imogen Heap, Björk, The xx, SOPHIE, FKA twigs, Blood Orange, King Krule, Mid-Air Thief, Yeule und vielen anderen hören kann, die auf einer vollständig realisierten konzeptionellen Sprache beruhen. So wie es auch bei ihrem/seinem Körper/Geist/Seele-Trio aus den Projekten 2021 (zuerst Portal of my Soul, dann BODY) und 2022 (Mind over Matter, das sich direkt mit Generationentraumata befasst) ist. Ihre/Seine Songs beginnen mit einem Beat oder einer Melodie und einer bewusstseinserweiternden Lyrik, die von ihrer Weisheit zeugt. "Ich erkenne es nicht, während es passiert", sagen sie, "aber hinterher ist es so, als ob die Songs den Ausgang der Situation, über die ich schreibe, vorhersagen." Das ist es, was alle große Kunst tut: Sie enthüllt selbstverständliche Wahrheiten, ob wir es wollen oder nicht.
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BLITZEN TRAPPER - neue Single "Hello Hallelujah" ab sofort! Das Album "100's Of 1000's, Millions Of Billion" kommt am 17.05. via Yep Roc Records.
Blitzen Trapper haben gerade ihre neue Single "Hello Hallelujah" veröffentlicht, die treibende, sofort einprägsame zweite Single aus ihrem kommenden Album100's of 1000's, Millions of Billions. "Im Jahr 2022 führte ich sieben Monate lang ein Traumtagebuch, in dem ich meine nächtlichen Reisen festhielt; dieser Song ist das Ergebnis. Jede Strophe stammt aus einem anderen Traum, den ich in dieser Zeit aufgezeichnet habe", erklärt Sänger/Songwriter Eric Earley den Song. "Wie alle Träume stellen sie Rätsel dar, sowohl persönliche als auch kosmische, von Teenager-Predigern bis zum Teufel selbst, digitalen Avataren und dem Hausmeister des Himmels - und ein großes altes Hallo! an sie alle." "Hello Hallelujah" folgt auf die nachdenkliche und doch eindringliche Leadsingle "Cosmic Backseat Education", die in der Presse u.a. von Consequence ("a tune flooded with nostalgia, shared memories, and universal experiences") gelobt wurde. 100's of 1000's, Millions of Billions wird am 17. Mai 2024 über Yep Roc veröffentlicht und kann ab sofort vorbestellt werden.
„Hello Hallelujah“ jetzt anhören!
"100's of 1000's, Millions of Billions“ Pre-Order
Das fesselnde 12-Track-Album "100's of 1000's, Millions of Billions" erscheint fast vier Jahre nach Holy Smokes Future Jokes von 2020 und zeigt, wie Blitzen Trapper sich auf ihre Psych-Rock-gewaschenen, klassischen Songwriting-Wurzeln besinnen, um eines der besten Werke ihrer Karriere zu schaffen - und das seit fast 20 Jahren. Inspiriert von Earleys Faszination für buddhistische Texte und Meditation (der Titel stammt von einem Satz, der immer wieder in den Mahayana-Sutras auftaucht), bietet das Album eine fesselnde Sicht auf Wiedergeburt und Transzendenz und die Kreisförmigkeit der Existenz, die sich ihren Weg durch den Raum jenseits von Traum und Realität, jenseits von Göttern und Sterblichen, jenseits von Leben und Tod bahnt. Die Lieder sind ebenso aufrichtig wie surreal, wurzeln in reichhaltigen Charakterstudien und tiefer Reflexion und entfalten sich wie eine rätselhafte Reise, die viele Fragen stellt und keine Antworten gibt. Die Produktion - mit freundlicher Genehmigung von Earley und aufgenommen von Gitarrist Nathan Vanderpool in seinem Studio im ländlichen Washington - ist ebenso berauschend und verschmilzt Lo-Fi-Intimität und trippige Psychedelik zu einem hypnotisierenden Strudel aus analogen und elektronischen Klängen. Alles zusammen ergibt eine wunderschöne, weitläufige Sammlung, die in üppige Schichten von Synthesizern und verwaschenen E-Gitarren gehüllt ist - eine ergreifende, ausgedehnte Erkundung von Wahrnehmung und Zielsetzung, die es schafft, gleichzeitig nach vorne und nach hinten zu schauen.
"Dieses ganze Projekt ist aus einer Kiste mit alten Vierspurbändern aus den 90er Jahren entstanden, die ich kürzlich gefunden habe", erklärt Earley. "Die Bänder waren voll mit Liedern, die ich geschrieben und aufgenommen hatte, als ich 19 oder 20 Jahre alt war, und der Klang und der Geist dieser Aufnahmen haben mich dazu gebracht, wieder Musik zu schreiben und wieder so zu arbeiten, wie ich es tat, als ich angefangen hatte.“
Durch Holy Smokes Future Jokes zum Buddhismus hingezogen, war Earley besonders fasziniert von den Lehren dieser Religion über das Selbst und die Freiheit, die sich einstellt, wenn man lernt, die künstlichen Konstruktionen, die es umgeben, loszulassen. "Der Buddhismus lehrt uns, dass Leiden aus dem Festhalten an Illusionen, an starren Ideologien und an der Idee eines individuellen Selbst entsteht", erklärt er. "Das Tor, um sich von all dem zu befreien, ist die Meditation, und ich habe festgestellt, dass viele dieser neuen Songs ganz natürlich aus dem Bewusstseinszustand entstanden sind, in den ich mich während dieser Meditationssitzungen versetzte.“
Zur gleichen Zeit, in der Earley durch Meditation lernte, präsent zu sein, stellte er durch die alten Vierspur-Kassettenbänder auch eine Verbindung zu seiner Vergangenheit her. In einem spiegelnden Mikrokosmos der Zirkularität fand er heraus, dass die Songs zu den neueren, die er geschrieben hatte, passten, und er überarbeitete, aktualisierte und vollendete sie mit einer Klarheit der Perspektive, die sich aus der mit der Zeit gewonnenen Erfahrung ergibt. Die Darbietungen waren locker und freilaufend, vollständig arrangiert und ausgearbeitet, aber nie überarbeitet, und das unbeschwerte Gefühl der Spontaneität sprach ihn an. "Was mir am meisten auffiel, war, wie zwanglos und spontan das alles war", sagt Earley. "Ich arbeitete ohne Gedanken an die Musikindustrie, ohne die Erwartung, etwas zu veröffentlichen oder auf Tournee zu gehen, also nahm ich einfach alles auf, was mir in den Sinn kam, und ging weiter. Es hatte etwas Rohes, wie aus einer Zeitkapsel, und es erinnerte mich daran, warum ich mich überhaupt in das Musikmachen verliebt hatte.“
100's of 1000's, Millions of Billions enthält auch Backing Vocals von Eric D. Johnson (Fruit Bats/Bonny Light Horseman) und Anna Tivel bei dem Song "Planetarium" (Tivel spielt auch Geige und singt durchgehend).
Tracklist
1. Ain’t Got Time to Fight
2. Dead God of the Green Arising
4. Hesher in the Rain
5. Cheap Fantastical Takedown
6. So Divine
7. Planetarium
9. Long Game
10. View from Jackson Hill
11. Upon the Chain
12. Bear’s Head/At the Cove
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COLD HART - neue Single ""Light Headed" Feat. Bones. Das Album "Pretty In The Dark" via Epitaph Records kommt am 17.05.
Der auf Long Island lebende Künstler Cold Hart veröffentlicht seine neue Single "Light Headed" mit seinem langjährigen Freund und Kollaborateur BONES. "Light Headed", ein tränenreicher Tagebucheintrag aus seinem kommenden Album "Pretty In The Dark", verbindet eine luftige, atmosphärische Produktion mit den zarten Klängen einer Akustikgitarre. Die minimale Kulisse lässt die verletzliche Qualität des Gesangs beider Künstler durchscheinen, während sie eine zarte Geschichte über "die Zeiten, in denen man sich streitet und vergessen hat, dass das Endziel immer die Liebe war" erzählen.
"BONES war die erste Person, die mich in diese Musikwelt einführte", fährt Cold Hart fort. " "Light Headed" fühlt sich an wie ein Song, den wir schon immer machen wollten, aber irgendwie schien es, als wäre genau jetzt der richtige Zeitpunkt in unserem Leben. Es ist der letzte Song von meinem neuen Album und gleichzeitig der emotionalste."
Schaut Euch das Video zu "Light Headed feat. BONES" jetzt HIER an!
Als Architekt einer der einflussreichsten Musikbewegungen der 2010er Jahre und darüber hinaus hat Cold Hart das bahnbrechende GOTHBOICLIQUE-Kollektiv mitbegründet und die Definition von Punk und Emo für immer verändert.
Mit "Pretty In The Dark" erforscht Cold Hart weiterhin die unendlichen Möglichkeiten des GBC-Ethos, das Vertraute mit dem Unbekannten, das Helle mit dem Dunklen und das Nostalgische mit der Zukunft zu vermischen.
Seit der GBC-Blog-Ära hat sich für Cold Hart vieles verändert. Während sein Album "Every Day Is A Day" (2021) inmitten der Geburt seiner neugeborenen Tochter und des Umzugs mit seiner Frau von seiner Heimatstadt Long Beach nach Long Island entstand, ist "Pretty In The Dark ein Aufatmen", während er sich in dieser Routine einfindet. Er ist jetzt Vater von zwei Kindern, und nachdem er weiter hinein nach Long Island gezogen ist und sich an den Rhythmus des Erwachsenseins gewöhnt hat, nimmt er nun die Nuancen des Lebens in Angriff.
Inspiriert durch eine neue Sichtweise auf die Dunkelheit, reflektiert Cold Hart darüber, wie er auf das augenzwinkernde Wortspiel des Titels kam: "Ich mag es, draußen im dunklen Wald zu stehen und zu spüren, wie ruhig es ist. So ist auch das Album; statt dass die Dunkelheit beängstigend ist, ist sie schön."
"Pretty In The Dark" HIER vorbestellen!
Ein Teil von "Pretty In The Dark’s" Streifzug durch Cold Harts Psyche kommt daher, dass er einen Teil seiner kreativen Kontrolle abgegeben hat, unterstützt von dem legendären Produzenten, Ingenieur und Mixer Andrew Dawson (Kanye West, Beyoncé, Jay-Z, Code Orange). Zusammen mit seinem langjährigen Kollegen und wegbegleitenden GBC-Mitglied YAWNS schaffte Cold Hart den Spagat zwischen seiner Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft.
Er sagt: "Die Zusammenarbeit mit Andrew und YAWNS hat mich wirklich dazu gebracht, auf diesem Album neue Dinge auszuprobieren. Ich wollte wirklich, dass es gleichzeitig ein Gefühl von Vertrautheit vermittelt."
Inspiriert von Gothic-Ikonen wie The Cure und Lebanon Hanover verbindet Cold Hart auf "Pretty In The Dark" dunkle Trap-Anleihen von Atlanta-Produzenten wie Metro Boomin mit einer Diät aus 80er-Punk und 90er-RnB, die er als Kind konsumiert hat. Seine rückwirkende Entdeckung von Bands wie Brand New und Saves the Day hat seine Vision nur noch weiter verstärkt. Während zarte Pianos und weite gitarrengeführte Abgründe Platz für die vertraute Behaglichkeit von wummernden Bässen und 808s machen, machen überlagernde Harmonien und hochfliegende Falsettgesänge den Weg frei für seine bisher verletzlichste Sammlung.
"PRETTY IN THE DARK" TRACKLISTE
3. Rap Show
4. Bag of Hearts
5. What Remains
6. Pretty In The Dark
7. TSOM
8. Gazer
9. Bold Riley
10. My Tasks Alone
11 .Bottle Run Dry
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DANA GAVANSKI - die neue Single "Ears Were Growing" ab sofort! Das Album "LATE SLAP" am 05.04. via Full Time Hobby.
Nach der Ankündigung ihres neuen Albums LATE SLAP, das am 5. April erscheint, hat Dana Gavanski den dritten Track "Ears Were Growing" aus dem kaleidoskopischen Album veröffentlicht. Der Track folgt auf eine ausverkaufte Londoner Headline-Show, bei der das neue Album vorgestellt wurde, und stieß auf die Art von Reaktion, die nur signalisieren kann, dass hier etwas Besonderes passiert
"Ears Were Growing“ ist...
"ein eskapistischer Traum, der in die Realität zurückführt, in der man immer noch auf demselben alten Sofa mit denselben alten Gedanken festsitzt. Gedanken, die, obwohl sie depressiv und negativ sind, eine verdrehte, aber tröstliche Kameradschaft angenommen haben, eine Art Stockholm-Syndrom. Das passiert, wenn ich versuche, einen Talking Heads-ähnlichen Track zu machen."
„Ears Were Growing“ Musikvideo
In Dana Gavanskis Kopf findet eine Party statt, zu der alle eingeladen sind - nun ja, sozusagen. Late Slap, Gavanskis drittes Album, gibt den Höhen und Tiefen der Gedankenwelt mit all ihren Freuden und Schrecken eine Stimme und bringt etwas dringend benötigte Verspieltheit in den Prozess des Schreibens über emotional harte Dinge. "Das Album hält die scheinbar disparaten Aspekte meines Charakters zusammen, die ich manchmal zu verdrängen versucht habe" , sagt Dana. "Mit diesem Album lasse ich sie in den Raum und zelebriere sie in ihrer ganzen Fremdartigkeit - eine Fremdartigkeit, die wir wohl alle auf einer gewissen Ebene teilen.“
Nachdem sie während des Schreibens ihres letzten Albums "When It Comes" (buchstäblich) ihre Stimme verloren hatte, zeigt sich Dana auf Late Slap in meisterhaftem Zustand, mit einem neuen Selbstvertrauen und einer neuen Energie - sowohl beim Schreiben als auch beim Singen - die paradoxerweise aus der Umarmung von Gefühlen des Unbehagens herrühren. "Mir wurde klar", sagt Dana, "dass ich mich daran gewöhnen musste, unbequem zu sein, um stärker zu werden." So ist es nur angemessen, dass das Album mit "How to Feel Uncomfortable" eröffnet wird, einem schnellen, klangvollen Song, der die wachsende Distanz zwischen den Menschen in den digitalen Landschaften beklagt, in denen wir so viel Zeit damit verbringen, ziellos umherzuwandern: "Steh zu nah, mit dem Gesicht in deinem Telefon/ es vernebelt deinen Verstand/ müde von deinem Zombie-Glühen/ das deine Augen aufsaugt.". Das Lied zeugt von der Schwierigkeit, mit sich selbst im Reinen zu sein, in Langeweile, Unsicherheit und Unentschlossenheit - und von den wichtigen emotionalen und spirituellen Vorteilen, die sich daraus ergeben. Oder, wie Susan Sontag, ein wichtiger Einfluss auf das Album, es in "Regarding the Pain of Others" ausdrückt: "Es ist die Passivität, die das Gefühl abstumpft. Die Zustände, die als Apathie, moralische oder emotionale Anästhesie beschrieben werden, sind voller Gefühle; die Gefühle sind Wut und Frustration..."
Beim Schreiben von Late Slap tauschte Gavanski das Vertraute gegen das Neue aus, indem sie sich in Logic Pro einarbeitete, statt wie üblich nur mit Gitarre und Stimme zu arbeiten. Wenn das Komponieren von neo-ludditischen Hymnen auf einem Macbook ein wenig widersprüchlich erscheint, dann ist das genau der Punkt: "Das Leben im 21. Jahrhundert ist so voller Widersprüche und Kopfschmerzen, dass es schwer sein kann, irgendetwas zu tun.
Überzeugung zu tun - man könnte sich zynisch aus allem herauswinden." Überwältigt von den scheinbar grenzenlosen Möglichkeiten, begann Dana, Demos und Collagen kleiner Klangwelten aus verschiedenen Einflüssen zu erstellen.
Demos und Collagen, die verschiedene Einflüsse wie orchestralen Pop, Art Rock und New Wave enthielten, wobei sie wiederum die Unterschiede und die Vielfalt schätzte. "Wann immer ich in einer bestimmten Arbeitsweise feststecke, hilft es mir, etwas Neues auszuprobieren, mich auf eine andere Weise herauszufordern. Wie wenn man ein neues Instrument lernt: Man ist begeistert davon und weniger auf Perfektion bedacht.“
Gavanski feilte mit ihrer Band an den Demos, bevor sie das Album - und die Band - zu Mike Lindsay (Tunng, LUMP) ins MESS, dem Studio des Produzenten in Margate, brachte. Die fünfköpfige Band, zu der auch Gavanskis Co-Produzent James Howard (Rozi Plain, Alabaster dePlume) gehört, nahm das Album in fünf Tagen auf. "Ich wusste, dass Mike mir helfen konnte, die Klangpalette zu finden, nach der ich suchte; er hat ein erstaunliches Gespür für klangliche Details, und wir haben schon bei früheren Platten gut zusammengearbeitet." Lindsay erwarb auf Danas Wunsch hin eigens für das Album einen Yamaha DX7-Synthesizer, mit dem sie eine Atmosphäre digitaler Wärme erzeugten, die an das meditative Meisterwerk Keyboard Fantasies von Beverly Glenn-Copeland erinnert.
Aber die Gavanski Mind-Party hat eine abwechslungsreiche Playlist. Ears Were Growing" zum Beispiel verkörpert den Eifer der Talking Heads oder von Klaus Nomi aus den achtziger Jahren, indem es die Fantasie gegen die Realität ausspielt, mit einem verspielten Text über negative Selbstgespräche, das kuppelartige Innere und ihre Art, eine Art Stockholm-Syndrom zu schaffen, das zu gleichen Teilen Trost und Angst bedeutet. Die Zeile "take me to the cinema/ I want to inhabit the actress!" zeugt von Danas Wertschätzung für das Theatralische und das Cineastische. Sie verweist auf den Einfluss des Hollywood-Stars der goldenen Ära, Gena Rowlands, deren Darstellung einer alternden Theaterschauspielerin in Opening Night zu einem erschreckenden Selbstverlust und einer dunklen, ernüchternden Verwandlung führt: "Gena schafft es, so viele Gefühle allein durch ihr Gesicht auszudrücken. Sie ist auffallend schön auf eine klassische Hollywood-Art, aber sie hat keine Angst davor, albern und kindisch auszusehen. Sie bringt mich gleichzeitig zum Lachen und zum Weinen - es hat etwas Verwandelndes, über die Stränge zu schlagen.“
Das unsichtbare Artwork von Late Slapstellt die Themen des Albums in den Vordergrund. Gavanskis zweideutiger, lebhafter Ausdruck und die abgeschirmten schwarzen Augen zeugen von einer sich drehenden Ausstellung widersprüchlicher Bilder: niedliche, spielende und kämpfende Kinder, die Bildern von Leid und Krieg weichen, goldene Stunden, die sich in verlorene Stunden auflösen, die nie zurückgewonnen werden können. Aber Late Slap ist auch das, was sein Titel andeutet - ein plötzlicher Ruck, ein Schock für das System, der versucht, sich wieder mit der schmutzigen, fleischlichen und gedanklichen Menschlichkeit des einfachen Menschseins zu verbinden. Die Spannung des Albums zwischen Zynismus und Vertrauen, Offenheit und Verzweiflung, Melodrama und Albernheit lädt den Hörer unwillkürlich ein (wirf deinen Mantel auf das Bett dort drüben, Fremder). Es heißt Sie an der Tür willkommen und lädt Sie ein, Zärtlichkeit in einer Welt zu finden, die ihr Bestes tut, um uns zu desensibilisieren.
"LATE SLAP" track list
2. Let Them Row
3. Late Slap
5. Singular Coincidence
6. Song For Rachel
7. Eye On Love
8. Ribbon
9. Dark Side
10. Reiteration
Das Album „LATE SLAP“ wird auf Vinyl und CD erscheinen und kann ab sofort vorbestellt werden!
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DAWN BROTHERS - ab März für 4 Shows in Deutschland. Das Album "Alpine Gold" via Excelsior Recordings / Bertus jetzt anhören!
21.03. Dortmund, Subrosa
22.03. Aschaffenburg, Colos Saal
02.05. Hamburg, Nochtspeicher
03.05. Berlin, Kulturhaus Insel
Wer die Dawn Brothers spielen sieht, wird unweigerlich von dem musikalischen Wirbelwind mitgerissen, der über die Bühne fegt. Hier prallen Klänge und Stile aufeinander, Rock, Folk, Blues und Soul werden zu einem unwiderstehlichen Cocktail vermischt. Es ist dieses Gefühl von 'was ist hier los', das die Rotterdamer Dawn Brothers zu einer Band macht, bei der man selbst dabei sein möchte. Eine Band, bei der die musikalische Chemie stimmt, die Spielfreude ausstrahlt und die Liebe zur Musik durch alle Adern fließen lässt.
Mit ihrer No-Nonsense-Mentalität fügen sich die Dawn Brothers nahtlos in die bescheidene Gemeinschaft der berühmten Hafenstadt ein. Aber lassen Sie sich von ihrer Nonchalance nicht täuschen: Ihre zeitgemäße Interpretation von Roots-Musik zeigt, dass hier eine Gruppe von Musikern steht, die verdammt gut weiß, was sie tut. Das zeigt sich auch auf ihrem neuen Album "Alpine Gold", auf dem die Band ihr Publikum auf vielfältige Weise in ihren Bann zieht.
Akt. Videos:
"Lucky"
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EIDOLA - neues Video zu "Who Of You Will Perservere?". Album "Eviscerate" via Blue Swan / Rise Records.
Die Progressive-Rock / Post-Hardcore-Band Eidola stellt heute mit „Who Of You Will Perserve“ die zweite Single aus ihrem kommenden Album „Eviscerate“ vor, das am 12.04.2024 via Blue Swan / Rise Records erscheint. Das neue Album kann ab sofort vorbestellt werden!
„Who Of You Will Perserve?“ Musikvideo
PreOrder „Eviscerate“
"Who Of You Will Persevere?" ist eine Hommage an die energiegeladene Rockgeschichte der Band mit eingängigen Strophen und leidenschaftlichen Refrains, die den Kampf um den wahren Wettbewerb umreißen.
Über EIDOLA / „Eviscerate"
EIDOLA sind zurückgekehrt, um sich den Erwartungen zu widersetzen und berauschende Höhen zu erreichen. Die rätselhafte, existenzielle Post-Hardcore-Band aus Salt Lake City, Utah, ist wieder da, um die Grenzen der Kunstform bis zum Äußersten auszureizen. Mit dem ehrgeizigen Nachfolger ihres von der Kritik hochgelobten Albums "The Architect“ erkunden sie neues Terrain. Das dynamisch schwere und zutiefst traurige „Eviscerate" ebnet eklektisch gewaltiges klangliches Terrain und bleibt dabei der tiefgründigen Lyrik und Bedeutung der Band treu.
Das Album beginnt mit einer ergreifenden Vorahnung in den Zeilen "I am all and I was made to suffer, I will watch as everything that I love dies. I am one, and I was ground down to nothing". Eine Strophe, die perfekt die gefühlvolle und melancholische Reise beschreibt, auf die sich der Hörer in den verbleibenden 12 Tracks begeben wird.
Die Band wurde 2012 gegründet, als Sänger Andrew Wells, Gitarrist und Sänger Matthew Dommer, Bassist James Johnson und Schlagzeuger Matt Hansen gemeinsam ihre konkurrierenden lokalen Bands in Utah auflösten und sich zusammentaten, um etwas ganz Neues zu schaffen. Nach der Selbstveröffentlichung ihres ersten Albums "The Great Glass Elephant" erlangte die Band schnell Bekanntheit in ihrer lokalen Szene und auf regionalen Tourneen und erregte schließlich die Aufmerksamkeit von Will Swan von Dance Gavin Dance.
Die Band unterschrieb bei Blue Swan Records und veröffentlichte im Mai 2015 ihre erste offizielle LP „Degeneraterra" und begann sofort mit einer landesweiten DIY-Tournee.
Nachdem sie sich einen Platz in der aufstrebenden Post-Hardcore-Gemeinde erspielt hatten, versuchte die Band, sich mit ihrem Nachfolger To Speak, To Listen im Juni 2017 weiter in die Mathematik und östliche Philosophie zu vertiefen. Das von Dryw Owens (A Lot Like Birds, From Indian Lakes) produzierte und produzierte Album war der erste Erfolg der Band in den Billboard-Charts und verschaffte ihnen eine treue Fangemeinde inmitten mehrerer nationaler Support-Touren mit Hail The Sun, Capstan, Chon und Dance Gavin Dance. In dieser Phase holte die Band auch den Vollzeit-Gitarristen Sergio Medina (Royal Coda, Sianvar) in die Band, um sich für die Zukunft zu rüsten.
Auf dem Weg zu internationaler Anerkennung begann die Band mit dem Schreiben und Aufnehmen ihres sehr gut besprochenen und liebenswerten dritten Albums "The Architect", produziert von Kris Crummet (Issues, Sleeping With Sirens, Memphis May Fire).
Dieser rollende Prozess entgleiste fast vollständig, als Sänger/Songwriter Andrew Wells 2019 einen Selbstmordversuch unternahm. Nachdem er sich mit Selbstmordgedanken und Depressionen auf ständigen Touren zwischen Eidola und seiner dauerhaften Position als Gitarrist/Sänger von Dance Gavin Danceauseinandergesetzt hatte, erwies sich das Gewicht von allem als zu viel.
Wells sagt: "Es war eine sehr schwierige Zeit in meinem Leben. Nachdem ich diese Zeit in einer stationären Einrichtung verbracht und mich danach in Therapie begeben hatte, machte ich es mir zur Aufgabe, offen über psychische Gesundheit und meinen eingeschlagenen Weg zur Genesung zu sprechen."
Im September 2021, nach zahlreichen Verzögerungen und persönlichen Hindernissen, veröffentlichte die Band schließlich "The Architect" und erntete fast überall Lob, was der Band in Folge auch ihre bislang höchste Billboard-Chartplatzierung einbrachte, die Kult-Fangemeinde der Band festigte und es ihnen ermöglichte, mit Polyphia, Veil Of Maya und einer Reihe anderer Schwergewichte zu touren. Der Erfolg ermöglichte es der Band, ihre ersten großen Headline-Touren zu starten und im ganzen Land ausverkaufte Säle zu füllen, sowie ihre allererste internationale Tournee in Großbritannien zu starten.
Neu motiviert, wieder auf dem richtigen Weg und bereit, ihre Ambitionen in ganz neue Höhen zu treiben, engagierte die Band Mike Sahm als Produzenten für ihr 13 Songs umfassendes Epos „Eviscerate“.
"Wir haben unsere Auszeit damit verbracht, unsere eigenen Grenzen auszuloten", sagt Wells. "Wir wollten die Konzepte dieses Projekts aufgreifen und uns auf die Dinge konzentrieren, die wir als besonders ehrgeizig und experimentierfreudig empfanden. Während wir unseren Kernsound beibehalten haben, haben wir uns entschieden, mit einem neuen Produzenten, 7-saitigen Gitarren, Deep-Drop-Tunings zu experimentieren und uns auf Gewalt und Verlust in unseren Texten einzulassen."
Die Erkundung ist auf dem 5. Full-Length-Album der Band offensichtlich. Ihre traditionell diskutierten Konzepte des Ringens mit dem Glauben, der Psychologie, der menschlichen Geschichte und der Hoffnung sind tief in das neu erforschte Territorium des Verlusts, der Trauer, des Hasses, der Verzweiflung und der Bewältigung des absoluten abgrundtiefen Chaos eingebettet. Eidola versuchen, Substanz in jedem Akkord und Tiefe in jedem Text zu vereinen, und fordern den Hörer auf, die Grundlagen seiner eigenen Realität zu hinterfragen.
Die Post-Hardcore-Band präsentiert sich keinen Deut weniger drängend und stellt auf „Eviscerate" ihre Lust an der Dynamik menschlicher Erfahrungen unter Beweis.
Eidola sind:
Andrew Wells (Gesang/Gitarre), Matthew Dommer (Gesang/Gitarre), James Johnson (Bass), Sergio Medina (Gitarre) und Matthew Hansen (Schlagzeug).
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ENGST - Engst ist zurück auf Tour im Oktober! "Irgendwas ist immer" via Arising Empire jetzt anhören!
Nach dem fulminanten Erfolg und gänzlich ausverkauften letztjährigen Tour sowie der Frühjahrs Stippvisite und dem Chart-Erfolg des neuen Albums, kommen die Berliner von ENGST auf die neue „Irgendwas Ist Immer“-Tour 2024. Wieder geht es durch die Republik und diesmal durch die von den Fans geforderten Städte. Die vier Berliner Freunde können es kaum erwarten, sich mit ihren neuen Album Songs schon bald zurück in die Menge zu stürzen um die Welt tatsächlich wieder ein Stückchen schöner zu machen. Und ENGST wären nicht ENGST, wenn sie nicht auch noch den letzten Tropfen Schweiß für ihre Liebe zur Musik und für die Treue ihrer Fangemeinde vergießen würden.
11.10.24 DE-Schweinfurt, Stattbahnhof
12.10.24 DE-Münster, Sputnik Halle
13.10.24 DE-Köln, Kantine
17.10.24 DE-Oberhausen, Kulttempel
18.10.24 DE-Kaiserslautern, Kammgarn
19.10.24 DE-Aschaffenburg, Colos-Saal
24.10.24 DE-Bremen, Modernes
25.10.24 DE-Kiel, MAX
26.10.24 DE-Dresden, Tante Ju
Jetzt Tickets sichern unter Eventim.de!
Das Album "Irgendwas ist immer" hier anhören!
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JOHN J. PRESLEY - neues Album "Chaos & Calypso" ab sofort via God Unknown Records/ Cargo!
On Tour:
10. März Blue Shell, Köln
11. März Backstage Club, München
12. März Privatclub, Berlin
13. März Nochtwache, Hamburg
(booking Wizard Promotions)
“...a ferocious, belly-deep sound, but somehow tender with it.” - The Guardian
"...a searing, soulful touch, an oasis of calm amid the torrent of noise" - The Times
“The chattering classes are silenced by musical brilliance.” - Classic Rock Magazine
“..a bold, striking debut.” - Q Magazine
‘..a phenomenal sound.” - Rolling Stone Magazine
“...a beautiful noise that at once grips and beguiles, as befits a natural-born storyteller.”- the Quietus
“Music needs a new dark Lord.” - BBC Radio 1 “Such a unique sound.” - Cerys Matthews, BBC Radio 2
“Absolutely love it” - Chris Hawkins, BBC 6 Music
Der in Brighton ansässige Multi-Instrumentalist John J Presley veröffentlicht heute das neue Album Chaos & Calypso über God Unknown Records / Cargo!
"Chaos and Calypso" digital / CD / Vinyl
"Chaos and Calypso" ist die erste neue Musik von Presley seit seinem Debütalbum "As The Night Draws In" im Jahr 2019 und der Vinyl-Veröffentlichung "Albany Sessions", die beide unter großem Beifall veröffentlicht wurden. Presleys Musik lässt sich nur schwer kategorisieren, aber genau das ist ihre Stärke - von Folk-Blues-Noir-Momenten bis hin zu geschmackvollen Post-Rock-Soundwänden, von klassischem Songwriting bis hin zu improvisierten, experimentellen Momenten - Presley erschafft ständig einen Wandteppich, der fesselt, herausfordert und inspiriert.
John J Presley schreibt Musik, die tausend Bilder malen kann. Von schwebenden Klanglandschaften über Instant-Future-Garage-Rock-Klassiker bis hin zu meditativen Studien - seine Palette ist riesig. Man kann die Inspiration hören: Coltrane, Mingus und Waits; The Kills und The Dirty Three. Presley ist ein gefragter Musiker, der kürzlich mit Duke Garwood, Smoke Fairies, Nadine Shah, Laura-Mary Carter und Juanita Stein auftrat.
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MIDAS FALL - "Cold Waves Divide Us" via Monotreme Records ab sofort überall erhältlich!
So schwelgt "Cold Waves Divide Us" in den unendlichen Weiten einer Soundlandschaft, die kühl ist, gleichbleibend und enervierend schön." - Visions
"Schon jetzt fließt sie wunderschön, magisch und makellos." - Rock Hard
Die schottische Alt/Post/Progressive-Rock-Band Midas Fall präsentiert ihr fünftes Album "Cold Waves Divide Us". Das Album ist auf CD/LP/Digital via Monotreme Records verfügbar.
Das Album "Cold Waves Divide Us" Jetzt anhören!
Auf "Cold Waves Divide Us" zeigen sich Midas Fall von ihrer selbstbewusstesten Seite, jeder Song bewegt sich wunderbar zwischen leise und laut, sanft und krachend. "Dieses Album ist eine schwerere und größere Erfahrung als das letzte Album", sagt Heaton. "Wir haben die atmosphärischen Streicher und 80er-Jahre-Synthies von Evaporate beibehalten, wollten aber schwerere, vielschichtige Elemente hinzufügen, um mehr das zu repräsentieren, wie wir live klingen.“
Midas Fall Live 2024:
16.04. München, Sonny Red Club
17.04. Dresden, Polimagie Festival
18.04. Karlsruhe, Kohi
19.04. Neunkirchen, Stummsche Reithalle
20.04. Osnabrück, Pop Salon Festival
Tracklist:
1. In the Morning We'll Be Someone Else
2. I Am Wrong
3. Salt
4. In This Avalanche
5. Point of Diminishing Return
6. Monsters
7. Atrophy
8. Cold Waves Divide Us
9. Little Wooden Boxes
10. Mute
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MOOR MOTHER - das neue Album "The Great Bailout" erscheint heute via ANTI-
“A call to consciousness.” - DJ Mag
“A powerful depiction of British cruelty.” - Clash
“A grand, artistic and political statement in an age when such vision is too rarely attempted.” **** MOJO
“The feeling of a theatre piece, characters coming onstage for a single area, then vanishing... unified because of Ayewa. Her cold rage, expressed in pitiless, relentless verse, is the pulsing heart of it all.” - The Wire
Moor Mother alias Camae Ayewa macht Musik über die Zurückgelassenen - die Entrechteten, die Unverstandenen und die Vergessenen. Dieses Ethos ist besonders auf ihrem neuesten Album "The Great Bailout", das heute über ANTI-Records erscheint, dominanter als je zuvor.
Als häufige Leserin von Geschichts- und Forschungsbüchern war Ayewa erstaunt über die Art und Weise, wie die Geschichte der Sklaverei im Vereinigten Königreich zu einer Fußnote der Geschichte gemacht wurde. Am aufschlussreichsten ist das Gesetz zur Abschaffung der Sklaverei von 1835, das laut einem Artikel im Guardian aus dem Jahr 2015 ein Darlehen war, das zur "Entschädigung der 46.000 britischen Sklavenhalter [wurde] und bis zur Rettung der Banken im Jahr 2009 die größte Rettungsaktion in der britischen Geschichte war. Die Sklaven erhielten nicht nur keine Entschädigung, sondern mussten gemäß einer anderen Klausel des Gesetzes nach ihrer angeblichen Befreiung weitere vier Jahre lang jede Woche 45 Stunden unbezahlte Arbeit für ihre ehemaligen Herren leisten. Die Versklavten bezahlten also einen Teil der Rechnung für ihre eigene Freilassung.
"Vertreibung und ihre Auswirkungen werden nicht genug diskutiert", sagt Ayewa. "Die PTBS der Vertreibung sollte ein Schwerpunkt sein, und wenn wir die Gelegenheit haben, etwas über die Geschehnisse in der Welt zu erfahren, haben wir auch die Möglichkeit, etwas über uns selbst zu lernen. Wir haben so viele verschiedene Akte systematischer Gewalt durchgemacht". Das Album ist ein intensiver Hörgenuss, der zuweilen sowohl atemberaubend als auch eindringlich ist.
DAS NEUE ALBUM JETZT IN VOLLER LÄNGE ANHÖREN!
"The Great Bailout" ist Ayewas neuntes Studioalbum und ihr drittes bei ANTI-Records, darunter Produktionsbeiträge zu verschiedenen Tracks von Lonnie Holley, Angel Bat Dawid und Sistazz von den Nitty Gritty, Ambrose Akinmusire, Vijay Ayer, Mary Lattimore, Aaron Dilloway und anderen. Ayewa, die von Pitchfork als "Poet laureate of the apocalypse" bezeichnet wurde, spielt in ihrer Musik mit einer Vielzahl von Instrumenten, Stimmen und Kakophonien, die sich mit Themen des Afrofuturismus und des kollektiven Gedächtnisses befassen und dabei an die Vorläufer des Jazz, des Hip-Hop und der Beat-Poesie denken lassen. Diese Bewegung, oder besser gesagt Verschränkung, zwischen Sanftheit und Schrecken, Wut und Trauer, ist der Kern des langen Gedichts, das das Album darstellt. Aber das ist nur ein Weg auf der Reise, zu der "The Great Bailout" einlädt. Man kann auch einfach einatmen und eintreten, um mit einer Horrorgeschichte zu rechnen, die sich im Offensichtlichen verbirgt, und sich von der ergreifenden Schönheit schwarzer Poesie und Musik als Freiheit in der Andersartigkeit und "Everywhens", vermittelt durch eine Reise nach Großbritannien, mitreißen lassen.
"THE GREAT BAILOUT" JETZT BESTELLEN!
"THE GREAT BAILOUT" TRACKLISTE
1. GUILTY FT LONNIE HOLLEY & RAIA WAS
2. ALL THE MONEY FT ALYA AL SULTANI
3. GOD SAVE THE QUEEN FT JUSTMADNICE
4. COMPENSATED EMANCIPATION FT KYLE KIDD
5. DEATH BY LONGITUDE
6. MY SOULS BEEN ANCHORED
7. LIVERPOOL WINS FT KYLE KIDD
8. SOUTH SEA FT SISTAZ OF THE NITTY GRITTY
9. SPEM IN ALIUM
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NOFX - "Half Album" am 19.04. via Fat Wreck. Die Single "I'm a Rat" ab sofort! Farewell Shows: Band auf "Final Tour" mit Stops in Deutschland.
Haltet eure alten Micky-Maus-Ohren fest, denn NOFX bereiten sich darauf vor, 2024 zu einem unvergesslichen Jahr zu machen! Wir freuen uns, euch neue NOFX-Musik ankündigen zu können, darunter auch gleich ein Video zur Single "I'm A Rat". Hört euch den Song auf eurem digitalen Lieblingsplatz an, oder schaut euch das Musikvideo mit Micky über den YouTube-Kanal von FAT WRECK an. Der Track stammt von der kommenden Platte "Half Album", die am 19. April erscheint.
Fat Mike äußert sich wie folgt über das Werk: "War es das wert? War es das wert, fünf Jahre damit zu verbringen, die fünf Songs auf meinem Doppelalbum-Projekt fertigzustellen, die ich für die schlechtesten des gesamten Haufens hielt? War es eine gute Idee, so viel Zeit damit zu verbringen, die Schwächsten des Wurfes aufzuziehen? War es eine Fehleinschätzung, als ich einen Song über das Ausmaß meiner Arroganz schrieb? Ich denke, die Antworten auf all diese rhetorischen Fragen könnte man finden, wenn man sich „Half Album" anhört... - aber ich bezweifle es ernsthaft."
"Half Album“ kann physisch schon bald unter anderem HIER vorbestellt werden!
Habt auch ein Auge auf die anstehenden Tourdaten, denn 2024 ist die letzte Chance, NOFX live zu erleben - die Band macht in einigen Wochen auch nochmal bei uns Station. Wer dabei sein möchte: Es gilt, schnell zu sein, die Karten werden knapper!
Am besten bleibt ihr NOFX und FAT auf Instagram auf den Fersen und haltet Euch über alles, was NOFX betrifft, auf dem Laufenden!
Tracklisting:
1. Fake-A-Wish Foundation
2. I'm a Rat
3. The Queen Is Dead
4. The Humblest Man in the World
5. The Last Drag
Fat Mike hat noch nie halbe Sachen gemacht - bis jetzt. Während NOFX nach 40 Jahren ihre Zeit als aktive Band auf diesem Planeten beenden, hat die bahnbrechende Punkformation - die durch Eric Melvin, Erik 'Smelly' Sandin und Aaron 'El Hefe' Abeyta komplettiert wird - beschlossen, dass die Zeit reif ist, genau das zu tun.
Naja, irgendwie zumindest. Nach „Single Album" von 2021 und „Double Album" von 2022 heißt die kommende NOFX-Veröffentlichung "Half Album“.
Denn das ist genau das, was es ist. Die fünfte Seite ihres epischen Doppelalbums. "Diese Songs wurden alle zur gleichen Zeit aufgenommen", erklärt der Frontmann. "Ich brauche einfach eine Weile, um etwas zu beenden. Hier geht es also darum, lose Enden zu verknüpfen. Was übrigens sehr gut für die Seele ist.“
Wenn die Formulierung "Unerledigtes zu Ende bringen“ vielleicht ein wenig so klingt, als wären die Songs Mike einigermaßen egal gewesen, dann stimmt das nicht. Denn dies sind nicht einfach nur übrig gebliebene Songs oder die kommende Platte ein nachträglicher Einfall.
Nimmt man die beiden Platten und diese EP - pardon, dieses halbe Album - zusammen, erhält man am Ende das, was Mike als ein echtes Doppelalbum betrachtet. Und ein gutes noch dazu. "Ich glaube nicht, dass es gute Doppelalben gibt", sagt er. "Das Weiße Album ist ein großartiges Album, aber es ist kein großartiges Doppelalbum. Da sind eine Menge beschissener Songs drauf. Ich glaube nicht, dass es irgendwelche beschissenen Songs auf diesem Album gibt - ich habe sie geschrieben, um ein großartiges Doppelalbum zu machen.“
Er hat sich auch viele Gedanken gemacht und viel Mühe gegeben. Der letzte Song auf "Half Album" heißt zum Beispiel "The Last Drag". Für das Gegenstück zum Opener "The Big Drag" vom "Single Album" hat Mike fünf Jahre gebraucht, um es fertig zu stellen. Er schließt nicht nur den Kreis des gesamten 25-Song-Doppelalbums ("Sie sind großartige Buchstützen", verkündet er), sondern offenbart auch die Tiefe seines Songwritings - etwas, das die Leute oft übersehen. Im Song "The Last Drag" singt Mike nicht nur aus der Sicht einer seiner Verflossenen, er enthält auch eine gleichzeitig humorvolle und deprimierende Hommage an Lesley Gores klassischen Hit "It's My Party" von 1963. Auf dem Papier klingt das vielleicht nicht so, aber es funktioniert tatsächlich, denn die Mischung aus Humor und Pathos hat eine verheerende Wirkung.
"Meine Ex ist zum Entzug nach Vegas gefahren, während wir [Mikes Musical] 'Home Street Home' aufführten", erklärt er. "Es sollte für 10 Tage sein, und es war während der AVN Awards, und sie hatte gerade eine zweieinhalbwöchige Party mit all ihren Freunden, ohne ihren Verlobten. Wenn man also den Text liest, gibt es darin eine Menge harter Worte, aber es war wirklich nicht einfach, aus ihrer Sicht zu schreiben. Deshalb habe ich auch fünf Jahre gebraucht. Und das Beschissene ist, dass niemand verstehen wird, worüber ich singe. Sie werden denken, dass ich es bin. Nur sie und ich werden es wissen, und das wird sie fertig machen. Mike weiß das, weil es ihn ohnehin schon fertig macht. "Das Schlimmste daran ist, dass es nicht einmal geholfen hat", fährt er fort. "Es ist nur ein Wiedererleben schlechter Erinnerungen. Daran zu denken, Texte darüber zu schreiben und sie immer wieder durchzugehen - das ist nicht gesund. Einfach nicht gesund.“
Wenn das die deprimierende Note ist, mit der „Half Album" endet, ist das, was ihm vorausgeht, etwas weniger düster. Der Opener "Fake-A-Wish Foundation" ist der zweite NOFX-Song nach "My Bro Cancervive Cancer“ (auf „Single Album“ zu finden), in dem es um einen Typen namens Brett geht, der vorgab, Gehirnkrebs zu haben, um mit Bands abzuhängen und kostenloses Merch zu bekommen. Es ist eine wunderschöne, beschwingte Ballade, die vielleicht traurig klingt, aber einen wirklich komödiantischen und bissigen Text enthält. Dann gibt es noch "I'm A Rat" - von Mike geschrieben, aber zuerst von der japanischen Punkband Hi-Standard aufgenommen und auch auf dem letztjährigen Album "Fat Mike Gets Strung Out" enthalten.
Es ist einer von bisher 14 NOFX-Songs, die weltweit nur von anderen Bands und nicht von NOFX selbst aufgenommen wurden. Bemerkenswert ist auch, dass er 54 Akkorde enthält, die sich nicht in einer Reihe wiederholen. Alle drei Versionen zeigen, was die Welt im Grunde weiß, aber wahrscheinlich noch einmal gesagt werden muss. Mike tut dies mit dieser Veröffentlichung auf jeden Fall. "Ich möchte als großer Songwriter anerkannt werden", gibt er zu, "was ich nicht bin. Aber ich werde es in ein paar Jahren sein. Punkrock-Songwriter sind nicht als Songwriter bekannt. Nimm Brett Gurewitz von Bad Religion - wenn man nicht gerade Punkrocker ist, bekommt er wenig bis keine Anerkennung. Tim Armstrong bekommt vielleicht etwas, weil er für so viele unterschiedliche Leute schreibt. Wie z.B. für Pink! oder auch einige Filmsoundtracks, aber er ist trotzdem nicht unbedingt als Songwriter bekannt. Mein Ding ist es, an Dinge zu denken, die noch nicht gemacht wurden. Ich denke über Dinge nach, die der Welt fehlen. Und warum. Und wird es funktionieren?“
Wenn jemand diese Einstellung gegenüber Punkrockmusikern ändern kann, dann Fat Mike. Genau aus diesem Grund hat er "The Humblest Man In The World" geschrieben. Denn wer sonst würde oder könnte einen knallharten Punkrock-Song schreiben, der direkt auf sich selbst zielt, weil er nicht nur so anerkannt werden will, sondern auch weiß, dass er es sein sollte und sein wird? "Ich rufe mich selbst heraus", gibt er zu, "weil ich nicht der bescheidenste Mensch auf der Welt bin. Und selbst das zu sagen, ist das Arroganteste, was man sagen kann. Ich glaube, dass ich mit etwas Demut ein besseres Ich sein könnte. Einer meiner großen persönlichen Fehler ist meine Arroganz. Ich sehe sie und jeder andere sieht sie, also dachte ich, ich lege sie mit diesem Song einfach auf den Tisch."
Es folgt der Track "The Queen Is Dead". Hörer mit Adlerohren werden ihn als einen Song erkennen, der zuerst auf "You're Welcome", dem Cokie The Clown-Album von 2019, erschien. Dies ist eine überarbeitete, punkige Version des Originals, aber nicht weniger kraftvoll oder ergreifend als Tribut an sein Thema. Warum der Song hier noch einmal enthalten ist - nun, es ist ein weiterer Beweis für die Vielseitigkeit von Fat Mikes Songwriting. Letztendlich läuft alles auf den Wunsch hinaus, als großer Songwriter angesehen zu werden. "Ich spiele gerne Songs in verschiedenen Genres", sagt er, "und ein guter Song kann in jedem Genre gespielt werden. Ich mag es einfach, das zu zeigen."
Obwohl er noch ganz andere Projekte in der Pipeline hat, ist "Half Album" nicht die letzte Platte, die NOFX veröffentlichen werden. Es ist jedoch der Anfang vom Ende (oder das Ende vom Anfang der Zukunft) von NOFX, wie wir sie kennen. Es ist auch ein Beweis dafür, dass Fat Mike keine halben Sachen macht, trotz des Titels. Es mag zwar "Half Album" heißen, aber es ist Teil eines viel größeren Vermächtnisses und eines noch größeren Ganzen.
18.05.2024 Eindhoven (NL) @ Ketelhuisplein (Ausverkauft!)
19.05.2024 Eindhoven (NL) @ Ketelhuisplein (Restkarten!)
23.05.2024 Hamburg @ Docks (Ausverkauft!)
25.05.2024 Hannover @ Faust Open Air (Restkarten!)
26.05.2024 Köln @ Tanzbrunnen
01.06.2024 Saarbrücken @ Open Air am E-Werk
04.06.2024 Wien (AT) @ Arena Open Air
05.06.2024 Wien (AT) @ Arena Open Air
07.06.2024 Augsburg @ Gaswerk Open Air
08.06.2024 Berlin @ Zitadelle Spandau
09.06.2024 Berlin @ Zitadelle Spandau
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OISIN LEECH - das Album "Cold Sea" via Outside Music / Tremone Records jetzt anhören!
"Einnehmende irische Folk-Songs für inneren Frieden" - Rolling Stone
"Cold Sea maps exile, love , loss, and healing via erudite guitar and judicious use of synth and strings." - Uncut Magazine
"In striking contrast to his work with The Lost Brothers Oisin has brought it all back home on his debut album Cold Sea to conjure up a record rich in atmosphere..loensome and allusive with wintry simplicity...you can almost taste the salt on the wind." - The Observer- Guardian
Oisin Leech, verehrter Musiker und eine Hälfte von The Lost Brothers, veröffentlicht heute sein erstes Soloalbum Cold Sea über Outside Music und Tremone Records. Produziert von dem gefeierten Songwriter und Musiker Steve Gunn, enthält das Album Beiträge von einer Reihe gefeierter Künstler wie Tony Garnier (Bob Dylan), Dónal Lunny und M Ward.
Das Album "Cold Sea" jetzt anhören!
Im Laufe seiner Karriere ist Leech für seine fokussierte Kunstfertigkeit und seinen unverwechselbaren Gesang bekannt geworden, die beide in seinem geschickten Solomaterial durchscheinen. Ein Aufenthalt in Donegal, einem Ort von großer Bedeutung für den in Meath lebenden Künstler, lieferte die Inspiration für Cold Sea.
Die Zusammenarbeit war schon immer ein wesentlicher Bestandteil von Leechs kreativer Praxis. Bei Cold Sea tat er sich mit dem in Brooklyn lebenden Musiker Steve Gunn zusammen. Die beiden lernten sich kennen, als Leech in New York Aufnahmen machte; sie blieben in Kontakt, und als Leech eine beträchtliche Menge an Material gesammelt hatte, lud er Gunn ein, in Donegal eine Aufnahme zu machen.
An einem Sommermorgen im Juli trafen sich Leech und Gunn in einem alten Schulhaus mit Meerblick in Donegal, das sie über mehrere Tage hinweg in ein Studio verwandelten, und machten sich an die Arbeit für die neun kathartischen Kompositionen von Cold Sea. Die Essenz der ausgedehnten Landschaften Donegals, sowohl erhaben als auch kahl, ist in der Instrumentierung der Platte eingefangen. Durch die Verschmelzung einer Palette von Synthesizer-Texturen und warmen Gitarrentönen schafft Cold Sea eine einladende und einhüllende Atmosphäre.
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PETE PHILLY & PERQUISITE - neues Album "EON" am 03.05. via Unexpected Records / Integral. 2 Shows im Mai!
Jazziger Hip-Hop, gebrochene Beats und gefühlvolle Vibes: Mit den kultigen Alben Mindstate und Mystery Repeats tourten der Sänger Pete Philly und der Produzent Perquisite zwischen 2004 und 2009 um die Welt, von Südafrika bis Japan. Danach gingen beide getrennte Wege, aber die Liebe zu ihrer Zusammenarbeit blieb: Anfang 2023 beschloss das Duo, sich für ein großes Konzert im AFAS Live in ihrer Heimatstadt Amsterdam am 17. November 2023 wieder zu vereinen.
Darüber hinaus kündigten Pete & Perq ein neues Album an, das im Frühjahr 2024 erscheinen sollte, und ihre erste neue Single "Hot Sauce“ wurde vom größten nationalen Radiosender der Niederlande zum TopSong gekürt. Ihre zweite Single Mayhem, eine bemerkenswerte Zusammenarbeit mit dem Singer/Songwriter Naaz, wurde kürzlich live in der bekanntesten TV-Talkshow der Niederlande aufgeführt.
Um die Veröffentlichung ihres dritten Studioalbums zu feiern, wird das Duo im Mai 2024 mit seiner Live-Band auf Europatournee gehen und in Groningen, Den Haag, Nijmegen, Hamburg, Berlin, Paris, Antwerpen, Eindhoven, London und Utrecht auftreten. Auf dem Programm stehen neben den bekannten Klassikern auch neue Stücke aus dem kommenden Album, die mit der von Pete Philly & Perquisite gewohnten Live-Energie vorgetragen werden
Nachdem sie sich durch einen gemeinsamen Freund kennengelernt hatten, beschlossen der Sänger/Songwriter Pete Philly (geboren 1980 in Aruba) und der Komponist/Produzent Perquisite (geboren 1982 in Amsterdam) 2003, das Hip-Hop-Duo Pete Philly & Perquisite zu gründen.
Die erste Frucht dieser gefühlvollen Zusammenarbeit war die Mindstate EP, die im Januar 2004 von Unexpected Records veröffentlicht wurde. Die EP wurde von der internationalen Presse sehr positiv aufgenommen und war auf BBC1 zu hören. Pete & Perq setzten ihre Zusammenarbeit fort und veröffentlichten im März 2005 ihr 17 Tracks umfassendes Debüt-Konzeptalbum Mindstate, das von Epitaph Europe in ganz Europa, von ANTI in den Vereinigten Staaten und von P-Vine Records in Japan veröffentlicht wurde. Das Notion Magazine (UK) bezeichnete die Musik auf Mindstate als "ebenso viel Soul des 21. Jahrhunderts wie genialer Hip-Hop".
Pete & Perq begannen mit ihrer 5-köpfigen Live-Formation zu spielen und erhielten mehrere Auszeichnungen - darunter die Zilveren Harp - und wurden für die 3FM Awards und die MTV European Music Awards nominiert. Nach ausgedehnten Tourneen in Europa und Shows in Südafrika und den Vereinigten Staaten beendeten Pete & Perq ihre Mindstate-Tour im September 2006 im ausverkauften Melkweg in ihrer Heimatstadt Amsterdam. Danach ging das Duo zurück ins Studio, um gemeinsam an ihrem zweiten Album zu arbeiten. Während dieser tourfreien Zeit wurde Remindstate veröffentlicht, die komplett neu abgemischte Version des Mindstate-Albums.
Im September 2007 wurde das zweite Album von Pete Philly & Perquisite, Mystery Repeats, in den Niederlanden über Unexpected / ANTI veröffentlicht. Eine belgische, europäische und japanische Veröffentlichung folgte kurz darauf. Das Album erreichte in der Woche seiner Veröffentlichung die Spitze der niederländischen Charts und die erste Single Time Flies" wurde häufig gespielt. Die große niederländische Zeitung NRC Handelsblad schrieb, dass "Mystery Repeats manchmal vor kreativer Energie geradezu explodiert", ebenso wie de Volkskrant, die das Album als "noch reichhaltiger im Sound und vielfältiger als ihr Debütalbum" beschrieb.
Pete & Perq starteten ihre Mystery Repeats-Tour im ausverkauften Melkweg, gefolgt von Shows in ganz Europa. Im März 2008 tourten sie in Japan und im April desselben Jahres zusammen mit Leeroy von der Saian Supa Crew in Deutschland. Im Sommer 2008 spielten sie auf bekannten Festivals wie Sziget (HU), Nuke (AT), Exit (RS), Lowlands (NL), HipHop Open (DE), North Sea Jazz (NL), Gurten (CH) und Summerjam (DE). Nach ihrer Rückkehr nach Amsterdam erhielten sie den prestigeträchtigen Amsterdam Award of Art, den wichtigsten Kunstpreis der Stadt, überreicht von Amsterdams Bürgermeister Job Cohen. Zu dieser Zeit stieg ihre dritte Single 'Mystery Repeats' in die niederländischen Top 40 ein und wurde ihre bisher erfolgreichste Single. Es folgten Auftritte in der Karibik, den USA und Südafrika.
Nach dieser ausgedehnten Tourneeperiode beschlossen Pete und Perq, dass es an der Zeit war, sich neben Pete Philly & Perquisite auf andere Projekte zu konzentrieren. Sie begaben sich auf eine letzte Tournee, die sie 'The Final Celebration Tour' nannten, um ihre Musik ein letztes Mal in Theatern in den ganzen Niederlanden zu feiern. Am 29. Oktober 2009 spielten sie ihre letzte Show im ausverkauften Melkweg in Amsterdam, die das niederländische Magazin OOR als "glorreiche Abschiedsfeier" bezeichnete. In den nächsten 14 Jahren konzentrierten sich sowohl Pete als auch Perq auf ihre Solokarrieren. Pete Philly veröffentlichte zwei Soloalben, eine EP und mehrere Singles, darunter 'Favorite Song', und produzierte Musik für Werbespots. Perquisite komponierte rund ein Dutzend Filmmusiken, darunter Carmen of the North und Niemand in de Stad, und arbeitete mit Kris Berry, Jeangu Macrooy und mehreren anderen Künstlern an neuen Songs und Alben.
Anfang 2023 erhielt Perq einen Anruf von Pete, der über die Vergangenheit nachdachte und erkannte, wie sehr er ihre Zusammenarbeit schätzte. Auch Perquisite freute sich darauf, wieder zusammenzuarbeiten, und sie schmiedeten schnell Pläne für eine Rückkehr auf die Bühne und ins Studio. Wie in alten Zeiten schufen sie einen Song nach dem anderen und stellten fest, dass das Kapitel Pete & Perq noch lange nicht abgeschlossen war.
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SLOW PULP - Live Performance bei CBS Saturday Morning. Am 06.06. Live in Köln. Das Album "Yard" via ANTI- ab sofort!
"Was das Album trägt, ist eine Band, die sich einig ist über ihren Tonfall, ihr Gefühl. - Rolling Stone
"Gestatten, eure neue Lieblingsband: Slow Pulp aus Chicago erobern die Indie-Herzen im Sturm" - Visions
Am vergangenen Wochenende gaben Slow Pulp ihr Fernsehdebüt bei CBS Saturday Morning und präsentierten eine Reihe von Highlights aus Yard, einem der beliebtesten Alben von 2023. Das Quartett aus Chicago und Madison, bestehend aus der Sängerin Emily Massey, dem Gitarristen/Produzenten Henry Stoehr, dem Bassisten Alex Leeds und dem Schlagzeuger Teddy Mathews , veröffentlichte Yard im vergangenen Herbst und wurde von Kritikern und Fans gleichermaßen begeistert aufgenommen, was zu Berichten in Variety, Billboard, The FADER, Washington Post und anderen führte.
Auf CBS Saturday Morning spielte die Band drei herausragende Tracks von Yard - "Slugs", "ein sanfter und eindringlicher...zuckersüßer, sommerlicher Indie-Track"(Paste), das "punkige"(The FADER) "Doubt" und das "gemütliche und beschwingte"(Stereogum) "Broadview".
"Doubt"
"Slugs"
Dieser Auftritt gibt einen Vorgeschmack auf das, was auf ihrer Frühjahrs-Europatournee zu erwarten ist. Exklusiv kommt die Band für 1 Show nach Deutschland:
06.06. Köln, Baumann & Sohn
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THE BLACK CROWES - "Wanting And Waiting" jetzt ansehen! Das Album "Happiness Bastards" kommt am 15.03. via Silver Arrow Records. Im Mai für 3 Shows in DE.
29.05. Frankfurt, Alte Oper
30.05. Stuttgart, Liederhalle
01.06. Berlin, Verti Music Hall
Tickets für die Happiness Bastards Tour
NEW YORK, NY (5. März 2024) - Die legendäre Rockband The Black Crowes veröffentlichte gerade das unter der Regie von Christopher Acosta entstandende Musikvideo zu "Wanting and Waiting", der ersten Singleauskopplung aus ihrem mit Spannung erwarteten neuen Album Happiness Bastards, das am 15. Märzüber das bandeigene Label Silver Arrow Records erscheint. Mit ihrem ersten Musikvideo in 15 Jahren seit "Goodbye Daughters of the Revolution" aus dem Jahr 2008 melden sich die Crowes mit voller Wucht zurück. Das Artwork und die Texte des Albums bilden den Hintergrund für Chris Robinsons unverkennbare Ausstrahlung, wenn er klatscht und selbstbewusst um seinen Bruder und seine Bandkollegen herumstolziert. Inmitten feuriger Bilder, die die glühende Energie Robinsons ergänzen, der in einem passenden roten Anzug gekleidet ist, ruft er leidenschaftlich "blood on fire!". Die Black Crowes, explosiv wie eh und je, schwelgen in der Vorfreude auf die Veröffentlichung ihres Jubiläumsalbums - und sie genießen den Ritt ganz offensichtlich. Seit seiner Veröffentlichung im Januar hat "Wanting and Waiting" die Radiowellen in den Top 10 von vier Radioformaten dominiert, darunter AAA, Americana, Active Rock und Canadian Active Rock.
„Wanting And Waiting“ Musikvideo
PreOrder das Album „Happiness Bastards“!
Zur Feier des neuen Albums kehren The Black Crowes in diesem Frühjahr mit der 35-tägigen Happiness Bastards Tour auf die Straße zurück . Tickets sind nur noch begrenzt erhältlich.
Über The Black Crowes
The Black Crowes lassen den Bullshit der Vergangenheit angehören. 15 Jahre nach ihrem letzten Album mit Originalmusik präsentieren die Robinson Brothers Happiness Bastards - ihr 10. Einige mögen sagen, dass das Projekt mehrere turbulente Jahre in der Entwicklung war, aber wir behaupten, dass es genau zur richtigen Zeit kommt. Nennen Sie es Bruderliebe oder musikalisches Schicksal, das sie wieder zusammengeführt hat. Das mit Spannung erwartete Album, das die Wiedervereinigung dieser legendären Band einläutet, könnte genau das sein, was den Rock & Roll rettet. In einer Zeit, in der die Kunstform unter dem Firmenglanz ihrer Nachfolger begraben wird, schlagen The Black Crowes mit der Angst vor ungesagten Worten zurück, die auf Papier geschrieben und von Gitarrensaiten elektrisiert werden, und enthüllen einen entblößten, nackten Rock & Roll. Kein Glanz, kein Glitzer, nur Rhythm and Blues in seiner besten Form - düster, laut und direkt ins Gesicht.
Seit ihrer Wiedervereinigung im Jahr 2019 haben The Black Crowes eine triumphale Rückkehr zu ihrer Form mit über 150 Shows in 20 Ländern weltweit hingelegt, um das 30-jährige Jubiläum von Shake Your Money Maker zu feiern, dem Album, das sie auf die Landkarte brachte. Nach ihrer Rückkehr von der Tournee wussten sie, dass sie etwas Neues brauchten, um die verlorene Zeit zu überbrücken. Die Robinson Brothers und ihr langjähriger Bassist Sven Pipien gingen Anfang 2023 mit dem Produzenten Jay Joyce ins Studio und die Erfahrungen der vergangenen Jahre schlugen sich in der Musik nieder, als die Band zu ihren Wurzeln zurückfand. Und nun ist es endlich soweit - Happiness Bastards erscheint am 15. März 2024.
Track Liste
Bedside Manners
Rats And Clowns
Cross Your Fingers
Wilted Rose ft. Lainey Wilson
Dirty Cold Sun
Bleed It Dry
Flesh Wound
Follow The Moon
Kindred Friend
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TOO CLOSE TO TOUCH - neue Single "Novocaine" Feat. Bad Omens. Das Album "For Keeps" via Epitaph jetzt anhören!
“Vocalist Keaton Pierce houses a perfectly tuned siren of a voice that can go from nervy croon to full-on roar in a manner of seconds” - AllMusic
Die Post-Hardcore-Band Too Close To Touch aus Lexington, Kentucky, veröffentlicht heute ihr letztes Album "For Keeps" über Epitaph Records.
Die posthume Veröffentlichung ist eine Hommage an den geliebten verstorbenen Frontmann Keaton Pierce und greift auf eine Sammlung von unvollendetem und unveröffentlichtem Material zurück, das von Freunden von The Word Alive, Cane Hill und Bad Omens ins Leben gerufen wurde. Die neueste Single "Novocaine" enthält Gastvocals und eine Produktion von Bad Omens-Frontmann Noah Sebastian und ist eine zeitlose Hommage an die Freundschaft und künstlerische Verbundenheit von Keaton und Noah", verraten Too Close To Touch via Revolver.
Sie fahren fort, " "Novocaine" hätte nie fertiggestellt werden können und wäre auch nie veröffentlicht worden, wenn nicht Noah und ihr alle, die Fans, mit eurem immensen Einsatz die Erinnerung an Keaton am Leben erhalten hätten. Wir können euch nicht genug danken, aber wir hoffen, dass jeder Einzelne von euch seine Stimme verliert, wenn ihr seine Worte mitschreien werdet.“
„Novocaine (Feat. Bad Omens)“ Musikvideo
Das Album „For Keeps“ jetzt anhören!
Im Laufe von mehr als zehn Jahren und zwei Veröffentlichungen haben Too Close To Touch immer wieder Lob für ihr musikalisches Können und ihre komplexen Arrangements geerntet, die die technischen Fähigkeiten der einzelnen Mitglieder hervorheben. Der Leim, der die Band zusammenhielt, war ihr geliebter Frontmann Keaton Pierce, der 2022 zu früh verstarb. In Anspielung auf einen seiner vielen Spitznamen ("Keeps") sorgt dieser letzte Eintrag im Katalog für die Bewahrung von Keatons Erbe.
"For Keeps' ist unser letztes Geschenk an die Too Close To Touch-Community", erklärt Mason. "Ohne Keaton hätte es uns nie gegeben und ohne ihn wird es uns auch in Zukunft nicht geben." "Ihm einen Abschluss geben zu können, ist ein Segen", fährt Kenny fort. "So viel von ihm übrig zu haben, seine Texte und Emotionen eingefangen zu haben... das haben nicht viele Menschen.“
Too Close to Touch besteht aus Keaton Pierce (Gesang), Mason Marble (Gitarre) und Kenny Downey (Schlagzeug).
Die Band bietet eine explosive Mischung aus Indie-Rock-Coolness und punkiger Emo-Pop-Energie und tourte bereits ausgiebig mit der Vans Warped Tour und Bands wie Waterparks, Issues und Crown the Empire. Zu den Veröffentlichungen der Band gehören die EP-Serie I'm Hard To Love, But So Are You, Nerve Endings (2015) und Haven't Been Myself (2016). Im Jahr 2016 gewann Too Close To Touch den Preis für die beste Underground-Band bei den Alternative Music Press Awards. Haven't Been Myself debütierte in den Billboard Charts als #3 Alternative Artist Album, #9 Top New Artist Album, und #133 Billboard Top 200 Current Album.
Die Doku zum Album hier ansehen.
Tracklisting
1. Novocaine ft. Bad Omens
2. Disappear
3. Hurt Reynolds
5. Heavy Hearts
6. Control
7. Designer Decay ft. Cane Hill
8. They Don’t Even Know
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WINONA FIGHTER - neu auf Rise Records! Single "I'm In The Market To Please No One" mit Musikvideo.
7. März 2024 - Nashville, TN - Die Punk-Rock-Band Winona Fighter freut sich, bekannt geben zu können, dass sie bei Rise Records unterschrieben hat. Zusammen mit der Ankündigung veröffentlicht die Band ihre neue Single mit dazugehörigem Musikvideo. "I'm In The Market To Please No One“ ist eine ermutigende Punkrock-Hymne, in der es darum geht, für sich selbst einzustehen und giftige Beziehungen nicht länger zu tolerieren. Der Song wurde Anfang dieser Woche in der BBC Radio One Rock Show uraufgeführt.
"I'm In The Market To Please No One“ Musikvideo
Frontfrau Chloe Kinnon erklärt:
"Man muss kein Genie sein, um zu verstehen, dass 'I'M IN THE MARKET TO PLEASE NO ONE' aus einem Ort der Wut kommt. Aber es bedeutet so viel mehr als das. Ich hatte vor kurzem einen nicht abgeschickten Brief an einen Jungen gefunden, den ich auf dem College kennen gelernt hatte und von dem man sich wünschte, dass man ihn nie getroffen hätte. In diesem Brief kam ich mir so machtlos vor. Ich fühlte mich ekelhaft, aber mir wurde auch klar, dass ich die Möglichkeit habe, meine wahren Gefühle nach Jahren des Wachstums auf Papier zu bringen. So wurde I'M IN THE MARKET... geboren.“
Sie fährt fort: „Wusstet ihr, dass eine von drei jungen, aufgeregten, potenzialreichen Frauen, die aufs College gehen, in irgendeiner Form missbraucht wird? Ich habe dieses Lied für sie geschrieben. Ich habe iden Track für meine Freunde, meine Familie und sogar für mich selbst geschrieben. Es kommt nicht aus einem Gefühl der Wut, sondern aus einem Gefühl der Kraft. Ich möchte damit ein Gespräch beginnen. Ich möchte, dass die Leute diesen Song schreien können, zu diesem Song moshen, das Gefühl haben, dass sie die Kontrolle über ihre Geschichte gewinnen können."
Zum Musikvideo fügt Kinnon hinzu:
„Die Dreharbeiten zu 'I'm In The Market To Please No One' hätten nicht besser sein können. Jake Johnston (Creative Director) und Dan Masso (Produzent) von We're All Gonna Die haben nicht nur unsere Vision perfekt umgesetzt, sondern auch dafür gesorgt, dass die Dreharbeiten extrem viel Spaß gemacht haben. Die Idee hinter dem 'IITMTPNO'-Musikvideo war es, die Wut und das Chaos des Songs selbst widerzuspiegeln. Obwohl es in dem Song um ein ziemlich ernstes Thema geht, wollten wir ihm ein energiegeladenes Rückgrat geben, damit es einfacher wird, offen über das Thema zu sprechen. Wir dachten uns, warum nicht das Gleiche mit dem Musikvideo machen? Anstatt etwas Ernstes und Feierliches zu kreieren, entschieden wir uns für das Thema, sich in narzisstischen Situationen wie ein Verrückter zu fühlen. Wir haben die Wut und Frustration kanalisiert, die damit einhergehen, aber auch die Erleichterung, die man empfindet, wenn man sich endlich seinem Umfeld öffnet. Es gab keinen Moment der Dreharbeiten, in dem wir nicht einen falschen Therapeuten vernarbt und in einem schmutzigen, alten Schlafzimmer herumgewühlt haben, und wir haben ihn genossen. Wir freuen uns darauf, dass jeder die Achterbahn der Gefühle mit uns durchlebt, wenn er den Film sieht.“
Im Anschluss an die Veröffentlichung wird die Band auf dem diesjährigen SXSW Music Festival in Austin, TX, eine Reihe von Showcase-Auftritten absolvieren. Außerdem werden sie sich den April über auf eine komplette US-Tour als Support von Bayside, Finch und Armor For Sleep begeben und auf einer Reihe von Festivals auftreten..
Die Punkband aus Nashville, die von der elektrischen Chloe Kinnon angeführt wird, haucht der wiederauflebenden Punkszene neues Leben ein und hat es sich zur Aufgabe gemacht, Punkmusik zu kreieren, die für alle Musikliebhaber zugänglich und akzeptabel ist, die zuhören wollen.
Kinnons Einführung in die Bostoner Punkrock-Szene in jungen Jahren war der katalytische Einfluss für ihren aktuellen Sound und ihre Bühnenpräsenz. Der Umzug nach Nashville gab ihr die Aufgabe, allen Musikliebhabern die Kraft von Thrash-Melodien zu vermitteln. Nachdem sie den Leadgitarristen Dan Fuson rekrutiert hatten, machten sie sich daran, der Szene, die Coco hinterlassen hatte, gerecht zu werden. Schließlich nahmen die beiden Austin Luther (Bass/Produzent) in die Familie auf.
Die Band ist bei ihren Live-Auftritten als energiegeladenes Kraftpaket bekannt. Ihre Shows sind ein Ort, an dem jeder Scheiß und jedes Ego an der Tür gelassen wird - jeder ist willkommen, gleichberechtigt und muss auf die Beine kommen. In letzter Zeit haben sie für die Bands Incubus, Motion City Soundtrack, Badflower und Something Corporate eröffnet und spielten mehrere Sets beim Bonnaroo 2023.
Nach der Veröffentlichung der Singles "I Think You Should Leave", "Johnny's Dead" und "HAMMS IN A GLASS" können sich die Fans in diesem Jahr auf weitere neue Musik freuen.
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